Matan a golpes a un adolescente flogger

un grupo de ocho jóvenes lo ATACó a la salida de un boliche cordobés.

Guillermo Joel Cáceres tenía 16 años y su único pecado fue vestirse con una camisa amarilla y un pantalón violeta. Los vecinos reconocieron a los supuestos asesinos.hay dos menores detenidos.

 

Stress - by Justice

“It’s all getting quite highly charged…Get out of the way, or get fucked up”

(Bloc Party - “Ares”)

Writer’s Block es un fenómeno que afecta a los escritores, y define la falta de inspiración o la imposibilidad temporaria de crear. Paradójicamente, fue también el término elegido para dar nombre al álbum más inspirado hasta el momento de Peter Moren, Bjorn Yttling y John Eriksson, mundialmente conocidos como Peter Bjorn & John.

Sin embargo, el block al que hace referencia el trío sueco, y que ilustra la portada del disco poco tiene que ver con trabas literarias. Más bien todo lo contrario… se trata de su propio espacio, una construcción estilo brit-building típica de Hornstull, el área de Estocolmo en donde habitan, y en la cual se agrupan gran cantidad de artistas y escritores. “Empezó siendo una zona barata donde alquilar pero de a poco se fue poniendo cool. Muchos músicos como Robyn y otros más viven en el vecindario. Peter y yo somos vecinos, vivimos en la punta de la isla. Mi estudio está frente a la costa, desde la ventana ves el agua. Estás rodeado de agua. Es realmente un lugar muy tranquilo.”

Ahí, en su bunker paradisíaco, es donde el trío gestó su tercera criatura, que se disparó inmediatamente de la Costa Norte hacia el mundo de la mano de su primer corte: una melodía silbada con destino inevitable de hit, denominado “Young Folks”.

¿Se imaginaron en algún momento la cuestión generada a partir de Writer’s Block?

Bjorn:- No en Argentina, por lo menos. Tal vez sí en Suecia. Nosotros hicimos el disco, y después firmamos contrato. Lo costeamos de nuestro bolsillo, se grabó en mi estudio así que tampoco costó tanto. En realidad no había expectativas, sólo diversión. Aprendimos a no esperar nada, porque muchas veces el hecho de hacer buena música no necesariamente garantiza que te vaya bien.

El hecho de que los tres participaran en la composición de los temas llevó a que mucha gente vea a Writer’s Block como el disco más “personal e íntimo”. Sin embargo en Falling Out ya se aprecia (quizás más todavía) el concepto de canción…

John:- Si, Falling Out es un disco que amamos. De hecho las canciones son tan buenas como las de éste album. Pero lo que ocurre con Writer’s Block es que tuve que componer un par de temas…Peter & Bjorn me obligaron a punta de pistola, ésa es la verdad (Risas). Eso cambió, y también la forma en que lo grabamos. Falling Out fue grabado en un estudio grande, pero para Writer’s Block sentimos que nadie se iba a fijar en lo que hacíamos, así que no apostamos demasiado. Lo grabamos en el estudio de Bjorn, las sesiones de grabación fueron mucho más simples, relajadas. Más artesanales. En éste disco tratamos de ser más minimalistas, despojarnos de ciertas cuestiones líricas que en Falling Out están muy presentes. Cambiamos los arreglos, e incluso la manera de crear.

Ahora acaban de lanzar un nuevo EP, Seaside Rock. Fueron transitando una especie de camino desde lo más lírico hacia lo netamente instrumental…

Bjorn:- El instrumental es el sonido más relajante de todos. Cuando tenés voces es muy como si estuvieras hablando, “hola, hola, hola”. Con las líricas la canción se vuelve muy demandante, en cambio cuando te llevás todo eso y solo la música queda, tenés la posibilidad de crear cosas más interesantes y de apreciar los sonidos. Es más divertido, podés hacer que cada detalle suene más grande. Incluso ésto –golpea la mesa- puede resultar un sonido interesante.

-De golpe, una catarata de agua empieza a correr por debajo del piso del hotel, y el ruido es tan fuerte que obliga a una pausa en la respuesta de Bjorn, y las carcajadas de ambos. “¿No ves? Esto podría inspirar un tema”, dicen.-

Bueno, hablando de inspiración…hay una referencia a The Ramones en Seaside Rock? (NdR: Un tema llamado “Needles and Pills”)

Bjorn:- En realidad sí es por el tema, Needles & Pins, pero de The Searchers…¿The Ramones también lo hicieron?

John:- Sí. Lo que hicimos de ése, un viejo tema de los ’60, fue un extracto de una parte instrumental, un riff.

Hay un silbido también! Ahí está la referencia…

John:- Exacto! Buen punto. Debo decir que fuiste la primera que lo notó. Needles & Pills es una canción lisérgica.

Habla sobre “Pills”

Bjorn:- No, más bien sobre “Needles”. Ojo, podría tratarse de una vacuna también. (Risas)

O podría decirse que es sólo un inocente instrumental…

John:- (risas) Exacto. Nosotros no sabemos nada al respecto. Sólo lo que vimos en películas, o lo que cuenta la gente.

Suecia viene mostrando una gran producción de artistas (Lykke Li, Those Dancing Days, The Hives) fuera de la fuerte tradición metalera que existe al norte. ¿Se sienten parte de una generación o movimiento que optó por una vertiente más optimista?

John:- Más optimistas puede ser. Pero no, realmente no creo que seamos parte de un movimiento. Nos sentimos parte de un pueblo, y un país que tiene gran cantidad y variedad de artistas. Suecia tiene casi el mejor jazz del mundo. Pasan cosas muy interesantes a nivel música, no se cómo explicarlo… Todo el tiempo conocés gente que hace música, en la calle, en todos lados.

Bjorn:- Tal vez no tanto en nuestro pueblo, pero sí en otros lugares de Suecia. The Hives se volvieron realmente populares, y suenan más como una típica banda sueca de rock. Alguien tiene que generar el quiebre, y está bueno que hayan sido ellos.

Con el auge de la movida Indie y tantos grupos surgiendo todo el tiempo, ¿dónde está la clave como banda para mantenerte interesante o ser distinto ante el público?

Bjorn:- Creo que básicamente, tenés que mantenerte interesante para vos mismo

John:- E interesado en seguir haciendo buena música, en desarrollarte, en escuchar música nueva todo el tiempo.

Bjorn:- Tal vez es suerte, no podemos hacer mucho al respecto

John:- No, no creo que sea suerte. Ahí estoy en desacuerdo.

“Young Folks”, primer corte de Writer’s Block, fue el tema que los hizo conocidos a nivel masivo, por esas cuestiones tan inexplicables como infalibles que hacen a un hit. Elegida como Canción Itunes 2007, rankeó alto en Pitchfork Media y fue cortina de episodios de Niptuck, Grey’s Anatomy y Gossip Girl, además de musicalizar publicidades de AT&t y Personal. Victoria Bergsman, -ex The Concretes- es la voz femenina que, a dúo con Peter cuenta una historia de amor bajo la impronta lírica simple y adolescente que caracteriza las líricas de PB&J. Aunque, probablemente, sean pocos los que se fijaron en la letra; lo que verdaderamente atrapa y se pega al subconsciente es el silbido que acompaña la canción y del cual probablemente hayan hablado hasta el cansancio. No es la idea caer en obviedades, pero…

Ustedes tienen un background detrás del hit, sin embargo para muchos la historia empieza a partir de “Young Folks”. ¿Les preocupa ser considerados One-Hit-Wonders?

Bjorn:- No, realmente no. Hay buenos one-hit-wonders, y también los hay malos. Chris Isaac, por ejemplo, tiene un tema –Wicked game- que es genial. “Macarena”, por ejemplo, es uno de los malos!. Nosotros no podemos hacer demasiado al respecto, sólo seguir trabajando. Si hacés buena música, no importa. Tal vez pegás otro éxito, y te convertís en two-hit-wonder. Algún hit siempre tiene que ser el primero.

¿Se inspiraron en algún silbido ajeno?

Bjorn:- Sí. Hay un productor y compositor americano llamado Bjorn Olsson, él hace una música instrumental muy interesante, y algunas de sus canciones contienen silbidos. Él fue de alguna manera una influencia para el silbido de Young Folks. Es un buen sonido.

Al caer la noche, la terraza repleta del Centro Cultural Recoleta confirmaría lo anunciado: los suecos eran la gran atracción del festival OneDotZero. El frenético bongó y el “maraca shaking” anticipaban Young Folks, y la intriga sobre la voz femenina que va a acompañar a Peter sería revelada: no se trataba de Victoria Bergsman, ni Tracey-Anne Campbell, de Camera Obscura (su reemplazo durante las últimas presentaciones de la gira). Sería Christine, la novia de Peter, la elegida. Una tímida blonda que aportó apenas un hilo de voz, casi imperceptible, para una versión algo deslucida del tema que los consagró. Eso sí, se fue premiada con un beso novelesco sobre el escenario. Una escena quizás poco ortodoxa dentro de los cánones rockeros, pero que sin dudas le subió unos grados de temperatura al frío nórdico de Christine.

Cuando compusieron el tema sabían que se convertiría en un hit? Evidentemente tiene un “algo” que la hizo especial

Bjorn:- Sí. No sé qué habrá sido exactamente, ¡El factor X!. Tiene un buen beat, y una suma de elementos que la hacen distinta, incluso del resto de los temas del disco. Es difícil sonar distinto, pero cuando se logra esa originalidad, algo pasa. Pero no se si es un tema especial. Alguna gente puede pensar que no lo es. Es buena, no necesariamente especial.

¿Cómo explican la fascinación por su música al otro lado del planeta?

John:- La música que hacemos es muy inglesa o norteamericana en algún punto. No es típica música folk sueca. Sabemos cómo hacer buen pop, conocemos los efectos de los grandes productores y todas esas cosas. Eso en algún punto lleva a la gente con vos, tal como le ocurre a The Hives. Creo que se dan olas. Como en algún momento Suecia tuvo grandes tenistas, ahora lo que sobresale son bandas.

[@La Fuga #153 ]

Bueno, este año esa sensación me pasó de costado, quizás porque se que afuera sí están pasando cosas. No es por ejercitar el fundamentalismo del under, pero un poco sí. Y en cuanto a las visitas internacionales extra-Pepsi también, sin ir mas lejos éste fin de semana la movida indie porteña estuvo de fiesta, con las visitas de Yelle y (en el marco del OneDotZero) Peter, Bjorn & John.

No reniego del megaevento, al contrario…me encanta.
No me encanta lo que hay que pasar para ser parte de él. No me parece.

Comparto lo que leí de Diego, de Rock.com.ar en su post “Mucho más que una gaseosa” . Porque después de haber leído la columna de Blejman en el NO, sentí algo parecido. ["Gente que no" - Publicado en el suplemento NO de Página/12 del 25.09.08.]

Me pregunto, ¿Desde cuándo el NO es pro-establishment del rock?
Porque, si hasta el SI parece decir NO con un poco más de convicción…
estamos al horno, amigos.

El show promete alguna que otra sorpresa y varios artistas invitados, entre ellos Dani Pérez, cantante de Los Sucesores de la Bestia.

La banda encargada de abrir la noche es DIECIS1E7E, que se encuentra en plena presentación de su disco debut editado a principios de éste año y éste Luna Park es su primer gran desafío. “Estamos ensayando a pleno, muchas reuniones y cosas que hasta ahora ni sabía que existían -cuenta Juan Faixal, bajista del grupo- Es Todo muy nuevo, muy profesional en comparación a como uno está acostumbrado a moverse.”

- sofie * dice:
¿Cómo te ves cantando enfrente de tanta gente?

- Faixxal * DIECIS1E7E: Sábado 20 de Septiembre en el Luna Park dice:
No sé, jajaja, te juro que no sé que esperar Sofi, va a ser muy loco..O sea… hay unas   ganas tremendas de poder romperle la cabeza al  público y dejarle el escenario caliente a los Cielo Razzo. La verdad, es todo un honor ser parte de algo así!!!

** [Prometemos cobertura en exclusiva (?) para Rock.com.ar, con fotógrafo posta. Y cronista también, o sea yo. Que tengo blog pero igual soy periodista de veras. Se agradece a la organización por permitirnos el acceso, pese a que hubo que transpirar la camiseta en serio, casi como con Madonna... Quizás sea la mejor prueba de que creemos que todo artista lo vale. =) ]

De una sala de ensayo en Colegiales a inaugurar la fecha 0 del festival de música más importante del país, nada menos que en Obras, el templo del rock. Banda de Turistas se prepara para telonear a The Hives junto con Mole en la apertura de la edición 2008 del Pepsi Music, mañana sábado.

Ésto contaban hace poco más de un mes*

En el marco de un tiempo signado por la inmediatez y el vértigo, en el cual parece haber cambiado el concepto - musicalmente hablando- en cuanto a “diferenciarse” y “trascender”, surge un quinteto de pequeños fundamentalistas de la canción que viene transitando a paso firme el sendero del under local. Cuenta la historia que Banda de Turistas es consecuencia de la fusión de dos bandas anteriores: una Kraut rock y una pop,  y Bruno Albano (bajo y voz), Luis Balcarce (Guitarra), Tomás Putruele (guitarra y voz), Patricio Troncoso (Teclados) y Guido Colzani (Batería) todavía sostienen esa  actitud de contracultura hacia el rock más ortodoxo que caracteriza a ambos géneros.  Mágico Corazón radiofónico, su disco debut, es un poco el reflejo de esa impronta, y plasma el uso de la voz como instrumento, del rescate del concepto de banda por sobre la idea de frontman y de las bondades de lo analógico en plena era digital, además de condensar en tracks de  tres minutos un bagaje de influencias curiosamente sofisticado por tratarse de chicos que apenas rozan los veinte años de edad.

 

¿Cómo los encuentra parados el hecho de que se empiece a hablar de Banda de Turistas?

Luis:- Bien, tratamos de mantenernos un poco al margen de todo eso. Tenemos la suerte de saber que en los medios hay gente como nosotros. Pero a la vez, sabemos cómo funciona y se que el pan fresco es pan viejo para mañana. Entonces necesitan pan fresco todo el tiempo. Por eso la idea es mantenerse frescos para ser siempre de interés. No noticia; se puede ser noticia por algo burdo también. A nosotros nos interesa ser de interés. Creemos que tenemos algo que aporta, una bajada interesante pero siempre desde lo musical.

Pato:-  Como no lo entendemos, o lo entendemos demasiado estamos más allá de eso.

¿Cómo llegó el disco a manos de Caldato JR?

Tomás:- Bueno, una vez que teníamos la premezcla lista empezamos a pensar en eso de cómo llevarlo a su máxima expresión. Cómo sumar calidad. Y decidimos que contactarlo a él podía ser lo mejor. Le mandamos un mail desde un punto de vista muy inocente, un saludo a través de Myspace de parte de la banda, a ver qué pasaba…

Luis:- El preguntó ¿Tienen algo más para contarme? Si, un disco que estamos haciendo ahora. Le mandamos tres temas de esa famosa premezcla, y respondió a los dos días diciendo qué estaba bueno, que le mandemos el disco entero. Nos dijo que estaba interesado, que le gustaba “the vibe” (la vibra) de la banda, que estaba dispuesto a hacerse un tiempo en su agenda. Y preguntó si estábamos con un sello importante, porque obviamente su valor de mercado es altísimo. Grabar un disco con él era muy caro, casi imposible para nosotros: argentinos, recién arrancando, a precio internacional, con el peso devaluado y sin un sello grande. Pero nos dijo que nos cobraba un precio simbólico. Que de onda 100% no podía ser, porque él también tiene una familia que mantener y pagar el estudio cuesta…igual siempre con una humildad increíble. Así que bueno, lo hicimos. Fue todo vía internet.

Pato:- Lo más interesante es que él  trabaja todo de manera analógica, y eso va muy bien con nuestro sonido porque le aporta otra textura.

Luis:- Aparte se involucró un montón con la profundidad que le dio a las canciones. Él dijo que los sonidos que le llegaron estaban todos bien ideados, que estaba de acuerdo con la estética, nada más le aportó dimensión. Y eso se aplica estéticamente como que los sonidos están “ensanchados”, el audio suena enorme.

Tomás:-  Por otro lado se ocupó de cerrar el disco para que suene como una obra completa, en vez de canciones separadas, pero que a la vez se puede dividir en sus partes y cada una tiene peso propio.

¿No le temen al hecho de asumirse como banda Pop, siendo un concepto algo devaluado a veces?

Tomás:- En los últimos años se gestó una idea equivocada del pop. Decís “hago pop” y te miran con una cara…No entienden, es gente pretenciosa de más.

Pato:- está mal interpretado. Pop es cultura popular, la canción que permite a la gente identificarse con algo.Por eso fue que entramos por ahí. Pop para nosotros es los Kinks, el pop de los ’60, Andy Warhol, Roy Lichtenstein. Ése concepto de pop es el que nos interesa. Nosotros hacemos arte popular. Pop en el buen sentido.

Luis:- Ser pop no sólo implica tener información de tu tiempo, sino tratar de remitir a algo que genera identificación en la gente. La gente necesita también un poco eso. De hecho el rock está más inmerso que la cultura pop. El pop está por encima de todo.

Pato:- En todo tipo de arte existe la posibilidad de hacer una síntesis: en la menor cantidad de espacio posible meter una cosa gigante. Hay pianistas que condensan toda su obra en una canción de tres minutos. Nosotros buscamos eso porque la gente también vive sintético hoy en día. No se a cuánta gente le puede gustar un disco instrumental de una hora. A nosotros sí, pero el gran público prefiere otra cosa.

Les interesa rescatar el concepto de canción. Sin embargo, mucha gente los conoce por Cóctel de instantáneo (un EP instrumental)…

Luis:- Eso surgió como una cosa paralela, ya en ése momento estábamos componiendo las canciones para Mágico… Lo hicimos en dos días, y como era la banda sonora de una película (NdR: “Oh Carola”, de Roberto Llauró) no podía tener letra.

Tomás:- Nos dijeron en una semana “hagan una banda sonora”. Y nos pareció una buena idea, porque justo estábamos escuchando un par de discos así. Y grabamos el disco así como salió. En dos días. Y dura diez minutos. Fue eso… un cóctel de instantáneo.

Pato:- y a la vez tuvo más repercusión de la que esperábamos.

Tomás:- fue gracioso eso, cómo llegó a la gente. Estuvo bueno en realidad. Igual, no te quiero hacer comparaciones demasiado pretenciosas pero pintar un cuadro de colores es lo mismo que llenar de frecuencias una canción.

Luis:- es saber intencionar los estímulos de manera que a la gente le llegue lo que vos querés decir. Es una extensión de los sentimientos. Es pensarlo, saber verlo. Y, aunque no me guste decir la palabra, eso es lo que tiene la psicodelia, que transmite la idea de viajar en imágenes y sonidos. La idea de texturas, de gamas, el sonido casi lo podés palpar.

Tienen un concepto acabado en cuanto a la música y la estética, cierta coherencia entre ambas cosas. ¿Creen que la estética también es una parte importante del todo?

Tomás:- Sí, la música también es estética. Son detalles personales, que cuidamos obviamente, pero la idea es más profunda. Pero son cosas que no están planeadas. Tratamos de encontrar lo que es propio, lo que es nuestro. No queremos copiar a nadie, somos nosotros en eso. Y me parece que eso es lo valorable.

Luis:- Nosotros hacemos música desprejuiciadamente y la idea es que nos escuchen desprejuiciadamente.  Que se identifiquen con las canciones y no con el corte de pelo nuevo que se acaba de hacer él…

Guido:- ¿¿Qué tiene mi pelo??

Ni psicodélicos, ni melómanos ni turistas

“En un momento nos pasó que la música fue como un viaje que decidimos emprender… bueno, viaje no. Eso no lo dije. Borralo”, se ríe Luis. “Es que en seguida dicen aaahh…turistas, por el viaje…Y no, no es la idea. Siempre decimos que no está bueno quedar como unos payasos obvios”.

¿Y qué otras cosas no les gusta que digan?

Luis:- También hablan mucho de la palabra psicodelia y a nosotros no nos gusta.

Es que si se tratara de los ’70, su estilo probablemente se asociaría con la lisergia creativa…

Luis:- Más allá de eso, porque ahora son todos psicodélicos… pero mal psicodélicos. Para mí no lo somos, psicodélico es otra cosa. Como hablan del krautrock, está de moda… y nosotros ya escuchábamos krautrock hace cinco años.

Pato:- Tampoco somos melómanos. No se lo que es ser melómano en realidad

Luis:- Normalmente los que se dicen melómanos son los que menos escuchan. Los que menos clara la tienen. Yo conocí como a quince tipos que gastaban muchísima plata por mes en discos japoneses y los tenían ahí y ni los escuchaban. Melómano es un coleccionista, fetichista, un fanático la música es un interés. Y no es así, la música es un mundo que uno no para de descubrir, porque es una cosa eterna.  Es como con la comida. Si disfrutás, es porque comiste lo necesario. Si comés de más te empezás a sentir mal. Para disfrutar de las cosas no tenés que irte al carajo.

* [La nota completa en Revista La Fuga de septiembre]

Sara Bareilles: “Love Song”

I’m not gonna write you to stay.
If all you have is leaving,
I’m gonna need a better reason to write you a love song today.

Kate Nash: “Foundations”

And every time we fight I know it’s not right,
every time that you’re upset and I smile.
I know I should forget, but I can’t.

Regina Spektor - “Fidelity”

I never loved nobody fully
always one foot on the ground
and by protecting my heart truly
I got lost in the sounds

Fiona Apple - “Not About Love”

This is not about love
‘Cause I am not in love
In fact I cant stop falling out
I miss that stupid ache

Lily Allen - “Smile”

At first when I see you cry
It makes me smile…

Natalie Imbruglia - “Torn”

Well you couldnt be that man I adored
You dont seem to know, dont seem to care what your heart is for
But I dont know him anymore
Theres nothing where he used to lie
My conversation has run dry
Thats whats going on, nothings fine Im torn

Meredith Brooks - “Bitch”

I’m a bitch, I’m a lover
I’m a child, I’m a mother
I’m a sinner, I’m a saint
I do not feel ashamed
I’m your hell, I’m your dream
I’m nothing in between
You know you wouldn’t want it any other way

“There`s always something divine about Metric’s stage show..” determinó Spin Magazine. Y la frase encabeza los avances del primer DVD de la banda, Live at Metropolis. Probablemente sea cierto algo de ese magnetismo que la banda irradia en vivo, sin embargo, basta con sólo escuchar los acordes precisos, la fusión exacta del beat de la electrónica con los elementos más primales del rock, y sobre todo, la voz de Emily Haines, que -no sin cierta reminiscencia a frontladies modelo ‘9os, como Nina Persson, Shirley Manson o Dolores O’Riordan- combina inocencia y sex appeal en idénticas dosis. Todo eso, más tres discos parejos con un puñado de temas increíbles… eso es Metric.

El Nombre

Surge en 1999, cuando - siendo totalmente under, y todavía dúo - Emily haines y James Shaw deciden llamarse Metric en referencia a un beat de sintetizador que Emily usaba en sus samples, y además, por la marcada precisión con la que ejecutaban su música

Integrantes

Emily Haines: Vocalista, sintetizadores
James Shaw: Guitarrista
Josh Winstead: Bajista
Joules Scott-Key: Batero

El primer hit

“Grow up and blow away”, del disco ídem*

* La primera exposición verdaderamente masiva de Grow up and Blow away se dio a partir de un comercial de Polaroid llamado “Be Afraid” en agosto de 2001, mucho antes que el tema se editara dentro de la placa que llevaría su mismo nombre. El tema fue un boom, pero previo a eso tuvo que sufrir un pequeño retoque.. la frase “Why does it feel so good to die today?” (Por qué es que estaría bueno morirse hoy, básicamente), tuvo que ser remplazada por una linea un tanto más naïf, que rezaba “Why does it feel so good to fly away?” (Por qué es que se siente tan bien volar?)

Discografía

• Old World Underground, where are you now? [2003]
• Live it Out [2005]
• Grow Up and Blow Away [lanzado oficialmente en 2007, aunque en realidad fue grabado en 2001 y demorado por la propia companía, Last Gang Records.]
  
  DVD:

• Live At Metropolis (2008)

La Frase

If this is the life
Why does it feel so good to die today?
Blue to gray / Grow up and blow away… (De “Grow up and Blow away”)

Dead disco / Dead funk
Dead rock and roll / Remodel
Everything has been done… (De “Dead disco”)

Links

Web Oficial: http://www.ilovemetric.com/
Myspace: www.myspace.com/metricband
LastFM: http://www.lastfm.es/music/Metric

Videos

“Combat Baby”, de Old World Underground… (2003)

“Dead Disco”, de Old World Underground… (2003)

“Monster Hospital” de Live it out (2005)

DVD Trailer

Se trata de varios temas, algo en común…

Hoy son 4 covers, de 4 artistas/bandas indie/myspace o llamémoslo como más les guste… que reversionan a otros. Unos (The pretenders), clásicos de clásicos. El resto, reversiones de artistas nuevos, o al menos actuales…(el colmo del cover????)

En fin, se  los traje, aparte de todo, porque forman parte de mi lista de elegidos más reciente. Disfruten..!

Lily Allen - “Don`t get me wrong”
“prestado” de: The Pretenders - Get Close [1986]
*El cover fue incluido en el disco “Radio One established 1967″, que compila 40 temas de 40 artistas nuevos, que reversionan un hit consagrado por año, de 1967 a 2007.

The Kooks - “Young Folks”
prestado de: Peter Bjorn and John - Writer’s Block [2006]

Death Cab for Cutie - “All is full of love”
prestado de: Björk - All is full of love (single) [1999]

Arctic Monkeys - You Know I’m No Good
“prestado” de: Amy Winehouse - Back to Black [2007]

Cuestión, cuando “Mucho”, la flamante placa de los babas modelo 2008 no se había lanzado oficialmente aun y sólo aquellos dueños del celular que los sponsoreaba podían descargarse el primer corte, una especie de boceto del disco empezaba a circular por la web, con pésima calidad de audio, si, pero también con el atractivo total de la primicia.

Esa versión de Mucho incluía aquel track que apareció en el Luna Park, pero con otro nombre (”Un rato atrás”) y finalmente quedó fuera del tracklist definitivo, al ser reemplazada por la balada ”Como eran las cosas” para el lanzamiento oficial.

Tal vez no sea uno de los temas más virtuosos ni geniales de Babasónicos, pero arranca con una de las típicas lineas autorreferenciales del frontman (”No suelo mostrarme vulnerable en público…eso me hace más distante”)  y más allá de todo, el hecho de ser un inédito lo convierte en algo así como una pieza de colección, y decidí compartirla con todos los fanáticos, melómanos, curiosos y todo aquel que le pueda interesar…

Babasónicos - Todo dicho

El próximo disco de estudio de los hermanos Gallagher, titulado “Dig out your soul”  ya tiene fecha de lanzamiento: 6 de Octubre, y hoy se publicó el tracklist y el arte de tapa en su web oficial.

“Dig out your soul” será editado de manera independiente, a través del sello propio de Oasis - Big Brother records- y habrá que esperar hasta el 29 de septiembre para escuchar el primer single: “The shock of the lightning”. Acá, la lista completa de temas:

Bag It Up
The Turning
Waiting For The Rapture
The Shock Of The Lightning
I’m Outta Time
(Get Off Your) High Horse Lady
Falling Down
To Be Where There’s Life
Ain’t Got Nothin’
The Nature of Reality
Soldier On

El Nombre

 Comenzaron llamándose “Kooks”, a secas, pero se encontraron con que un grupo de Suiza tenía el mismo nombre, así que lo cambiaron a ”The Kooks”.

Integrantes

Luke Pritchard – Voz, Guitarra rítmica 
Hugh Harris –  Guitarra principal
Paul Garred – Batería, Percusión
Dan Logan - Bajo (desde febrero de 2008)
Max Rafferty – Bajo (desde 2004 hasta 2008, año en que deja la banda por problemas de salud)

El primer hit

“Naive”  de Inside In/Inside Out (2006)

Discografía

• Inside In/Inside Out (2006)
• Konk (2007)

La Frase

“Oh, I’m getting so tired of of people always crossing my wires
Life’s just far too short for miscommunication…”   (de “Down to the market“, Konk)

Links

Web oficial: http://www.thekooks.com/home
Myspace: http://www.myspace.com/thekooks
Bebo: http://www.bebo.com/thekooks
Youtube: http://www.youtube.com/thekooksmusic

Videos 

“She moves in her own way” 

“Shine on” (Nuevo single de Konk)

“See the sun” (Live)

 

“See the sun” (Acústico)

Por un lado, ayudó a la aceptación generalizada de internet como un medio para facilitar la difusión de los artistas, y no como un enemigo en potencia de la venta de discos, “obligando” incluso al más ortodoxo a sumarse nueva movida para no quedar afuera.

Y por el otro, resultó el puntapié inicial para el surgimiento de un real aluvión de bandas nuevas que encontraron la posibilidad de hacerse conocidas mediante la red, sin tener que recurrir a los grandes sellos o, el caso opuesto, que consiguieron llamar la atención de los mismos y finalmente editar su disco, como el caso de Lily Allen.

La contracara de éste fenómeno es la imposibilidad de procesar semejante cantidad de data de artistas, bandas, discos (e incluso géneros) nuevos que se suceden a un ritmo vertiginoso, muchas veces alcanzando el éxito con un single y desapareciendo al instante siguiente.

Al mismo tiempo, los grandes íconos de la historia del rock siguen siendo los mismos de otras décadas: Zeppelin, Black Sabbath, Queen, los Beatles, los Stones… “citados” o recreados de manera más o menos explícita pero siempre presentes en la impronta de la nueva generación. Esto hace pensar que el gran cambio conceptual tal vez pase por el hecho de que ya no interesa tanto trascender en el tiempo. Lo importante es el aquí y ahora. Y hoy la cantidad es lo que predomina, aunque ésto no implica que no surjan cosas de buena calidad.

La idea desde acá es detectar las bandas indie que realmente valen la pena entre tanto “spam” musical, y presentarlas semana a semana, en una selección (algo caprichosa, aleatoria y totalmente desestructurada, pero selección al fin) con las claves necesarias para entender su propuesta.

The Go! Team fue la primera que les presenté, pero no con todo el mundo se tiene la suerte de conseguir una entrevista, asi que a partir de hoy queda oficialmente inaugurada esta mini enciclopedia informal del indie, y los elegidos son unos de mis preferidos actuales: The Kooks.

Go! Team tiene un sonido realmente particular. ¿En qué punto logran diferenciarse del resto?

Ian:- Bueno, eso espero…Digo, desde un principio ésa fue la idea. Nunca quise ser como las otras bandas indie, ésa es justamente una especie de “idea enemiga” de lo que una banda debería ser para mí. Los ves a todos vistiendo esos jeans ajustados, con el mismo corte de pelo…estoy harto de eso. Entonces pensé en cómo lograr hacer que una banda sea cool en un sentido poco tradicional.

¿Creés que el indie es todo la misma cosa?

Ian:- Si, la mayoría de las bandas tienen un montón de cosas en común. Todas son como una especie de pandilla, o una estúpida banda de chicos. Yo no quiero sonar así, no quiero vestirme de esa manera ni actuar como ellos, porque es todo más de lo mismo.

Actualmente muchas bandas le apuestan al híbrido, en vez de encasillarse en un género en particular. ¿Cómo se forja una identidad sonora basándose en la mezcla? El híbrido es el futuro?

Ian:- En el futuro probablemente haya solo híbridos. El último género real que surgió fue el drum and bass, a fines de los noventa. Ahora apareció el dubstep y toda esa movida, pero actualmente es muy difícil ser realmente original, porque cada sonido parece haber sido ya inventado. Así que, para mí, lo más interesante es rescatar sonidos y después pegarlos juntos para crear un sonido nuevo… No es totalmente funk, no es totalmente rock, no es totalmente hip hop… Es un sonido realmente singular, incluso es más difícil al cantarlo. Podés hacerlo muy bien o podés hacerlo realmente mal, pero se trata de crear. Creo que esto no es todo, es decir…todavía quedan muchas cosas por probar.

¿Creés realmente que todavía hay bandas que pueden hacer historia con su música?

Ian:- Sí…solo que no se bien cómo, pero sí.

¿Ustedes van camino a intentarlo?

Ian:- Sí, en realidad es duro, porque no es algo que podés hacer y ya. Tenés que tener una canción realmente buena, un buen sonido, tenés que ser verdaderamente raro, distinto. Tenés que experimentar, y muchas veces ésos experimentos terminan siendo una basura.

¿Cómo fueron los comienzos para ustedes? ¿Imaginaban todo esto?

Ninja:- Oh… Yo nunca había planeado unirme a una banda. No sabía que iba a terminar siendo parte. Sólo hice un show y como todo fue de maravillas, me llamaron de vuelta para otro show, y otro más… Pero sinceramente no esperaba estar aquí, ahora con una banda así que es una gran sorpresa. Si alguien me hubiera dicho “Hey, ¿tenés ganas de estar atada a otras cinco personas que nunca antes conociste e ir con ellos por todo el mundo?” bueno, definitivamente hubiera dicho NO! Porque no sabía quiénes eran, y no sabía si las cosas iban a funcionar. Pero fuimos realmente afortunados porque en seguida conectamos, y viene siendo una experiencia genial para todos. Así que, fue algo que no estaba planeado, pero definitivamente cambió para bien el rumbo de las cosas.

Ian:- Cuando recién empezamos, el proyecto no estaba pensado en función de una banda. Solamente arreglamos un show para la próxima semana, y luego las cosas empezaron a pasar. Nunca miramos realmente hacia el futuro, nunca dijimos “Yeah, vamos a conquistar el mundo”. Todo se dio paso a paso. Incluso, no es que somos una gran banda, en el sentido de lo masivo. Go! Team es más una banda de culto.

Pero lograron llegar a lugares totalmente distintos del mundo y en cada uno se encontraron con una respuesta exitosa por parte del público. ¿Cómo explicás eso?

Ian:- No lo sé… Hay gente que dice que nuestra música es como un sonido universal. Podés escucharla en la playa, podés escucharla en Tokio, o cuando te levantás a la mañana. Podés estar esquiando en una montaña, o yendo al club, o con tus auriculares en una plaza. Sabés, amo esa idea de poder disfrutar la música de diferentes maneras. Pienso que la música es la banda sonora de la vida.

¿Cómo experimentaron las distintas respuestas de la gente alrededor del mundo? ¿Hay algún lugar donde hayan percibido una conexión especial? ¿Algún show memorable?

Ninja:- Si, a decir verdad, no sé cuán conocidos somos, pero sí… En Australia fue realmente cálida la bienvenida cuando tocamos por primera vez ahí, y Japón también, parecía disfrutar mucho nuestra música. Los países nórdicos también, Escandinavia, Suecia y Noruega. Increíble, allá les gusta el rock bien duro pero sin embargo parecían encantados con nosotros. Fue algo realmente lindo de ver. Después, en Estados Unidos cada universidad y secundaria tiene su propia estación de radio, y nosotros nos hicimos muy populares ahí…al punto que, hubo un momento en que éramos la banda más popular, con la canción que más sonaba en todas las estaciones de Norteamérica… Cada lugar es bien diferente, pero es hermoso que podamos gustarle a gente de tantos lugares del mundo, incluso no siendo la banda más grande de la historia.

¿Y qué hay del show en Argentina? ¿Qué respuesta imaginan?

Ninja:- Oh, van a amarnos! Nos vamos a divertir, y estoy segura que ganaremos esta batalla…

(Ndr: Ninja creía que iban a competir en la final del Motorokr Band Warz…Le explican que no es así, que ellos cierran la batalla de bandas pero no concursan)

Ian:- Oh, nosotros no estamos en la batalla.

Ninja:- ¿Cómo que no estamos en la batalla? ¿Por qué? ¿Es que somos demasiado poderosos? ¿Nuestra música es demasiado groovy?

Ian:- (Ríe) Nosotros cerramos la batalla. Tres bandas tocan, y nosotros tocamos después del ganador de esas tres bandas…

Ninja:- Oh… bueno, si hubiésemos concursado, seguramente habríamos ganado la batalla! (Risas) Tienen suerte que no estemos, porque el resto no hubiera tenido chance alguna! Bueno…ya me olvidé la pregunta.

¿Están de acuerdo que su música podría ser perfectamente el soundtrack de una road movie, o una película de detectives, con persecuciones y esas cosas?

Ian:- (Risas) Sí, cuando pienso en imágenes veo mucho manejar un auto, mucho viaje… (simula estar manejando un auto) Imagino un examen de manejo con un error atrás del otro, y muchas cámaras secretas. Es todo sobre la imagen. Son imágenes relativas a una idea que uno tiene en mente.

¿Y si tuvieras que elegir una película de la cual ser banda sonora…?

Ian:- “Midnight cowboy”, ¿La conocés? Ésa peli es una fuerte influencia… Mucho cine clase B, armas, pandillas, Nueva York, y todas esas cosas.

¿Por qué eligieron recrear una estética tan vintage?

Ian:- En realidad no estaba planeando ser retro. Algunos dicen que nuestra música es moderna, otros dicen que es retro, pero yo creo que todo depende del gusto de cada uno, sabés? Para mí, fue como ir recolectando distintas cosas de décadas diferentes. El groove de los sesenta, el Blaxploitation de los setenta… tipo Shaft (Ndr: película que dio inicio al género, signado por el boom del cine negro con bandas sonoras de artistas famosos, el funk y las persecuciones por los callejones de Detroit). La Noise Music de los noventa, el hip hop de los ochenta… se trata de recortar todas ésas influencias y luego hacerlas encajar.

En realidad me refería más que nada al factor visual…

Ian:- Ok… Respecto de lo visual sí, es verdad aunque en realidad no tenía pensado ser totalmente retro. Nunca quise ser demasiado obvio. Pero me gusta lo colorido, me gusta que luzca llamativo, brillante, pero no particularmente porque sea viejo. Es porque es…mejor. En verdad no se por qué!

¿Creés que la estética es importante dentro del todo para una banda? Digo, a veces pareciera priorizarse por encima de otras cuestiones…

Ian:- Sí, a veces se trata de una cuestión de marketing. Yo, personalmente, siempre fui más fan de las cosas caseras, hechas a mano… Sabés, no me gusta la idea de un gran estudio, y gastár enormes cantidades de dinero en los mejores productores, los mejores directores de video. Me gustan las cosas más cálidas, incluso más rústicas, un poco amateur. Creo que te hacen sentir más relajado. Realmente no me gusta ser exuberante ni sofisticado.

Los videos representan una parte esencial en cuanto al impacto de Go! Team. ¿Cómo se las arreglan para trasladar eso al escenario? Cómo es el vivo de Go! Team?

Ian:- No lo sé. Creo que cuado estamos tocando sobre el escenario podemos ver realmente cuán diferentes somos todos. Sólo por la manera de movernos. Cada uno está en la suya, y se ve diferente al resto, y encima sonamos muy fuerte, y nos la pasamos saltando, y…

Ninja:- Nuestro vivo es principalmente excitante e impredecible con respecto a las canciones. He visto a bandas tocar que después de los primeros tres temas dan ganas de irse, porque tenés una clara idea de cómo va a seguir eso. Creo que la gente que venga a vernos va a seguir enganchada hasta el final, porque va a querer saber qué viene a continuación. Creo que eso es algo que está bueno.

Ustedes viven prácticamente de gira. ¿Cómo es un tour con TGT?

Ian:- Humm…Mucho Frisbee. Nos la pasamos jugando Frisbee. Y eso es todo (risas)

Ninja:- Realmente no somos la banda más divertida e interesante, porque ninguno consume drogas. Bueno, yo dije que algunos de los integrantes de TGT deberían empezar a usar drogas así estamos en todas las revistas y mucha más gente nos viene a ver…

Ian:- Humm…si…

Ninja:- Tomando crack y todas esas cosas seríamos mucho más divertidos como banda, creo.

Ian:- Si, crack… podría ser… (risas)

Un día después de la entrevista, ellos se encuentran en el mismo lugar. Pero con una sola diferencia: El roxy estalla en espera de su show. Nada, ni los gritos, ni la multitud de periodistas y asistentes que circula en torno a ellos logra alterar su tan inglesa tranquilidad. Aunque, a la pregunta inevitable de cómo se preparan para salir, Ian invoca un mantra como única respuesta -“ommm…”- y termina de contar cómo se las arregló para esquivar problemas legales con el arte de samplear.

¿Nunca tuviste problemas de copyright, habiendo confesado que usás fragmentos de otras canciones para crear las tuyas?

Ian:- Cuando hicimos el primer disco no teníamos ni tiempo, ni dinero. Así que armamos el album con aproximadamente cincuenta samples, ninguno de ellos declarado. Totalmente ilegales. Un año después, cuando los grandes sellos como Columbia o Sony comenzaron a interesarse y las canciones empezaron a escucharse por todo el mundo, tuvimos que rectificarnos y declarar los samples porque eso en Norteamérica puede traer serios problemas. Así que nos contactamos con toda esta gente y más o menos les rogamos si podíamos declarar que les habíamos “usado” fragmentos, y algunos dijeron que no. Más o menos tres personas se negaron, así que tuvimos que reescribir el tema. Fue realmente doloroso. Por ejemplo, Junior Kickstart tuvo que ser modificada. Es feo cuando conocés tan bien la canción, los cambios nunca sientan bien. Pero bueno, para el segundo disco ya sabíamos qué teníamos que hacer. Preferimos quedarnos callados y, simplemente, no mencionarlo.

Ellos no se esperaban la noticia, pero para mí también fue una grata sorpresa encontrármelos ahí… después de casi dos años de haberlos entrevistado, con otra formación en ese entonces… Esta vuelta la entrevista fue, como le dije a Muriel “100% rápida y oportunista”… Pero bueno, exclusiva al fin, las palabras de la baterista, voz y única chica del cuarteto.

A continuación, Fujiya & Miyagi y el tan esperado cierre de The Go! Team, con un explosivo show que dejó en claro una cosa, o mejor dicho dos. Primero, que el poderío desplegado en los videos por el sexteto de Brighton, en vivo no sólo no se pierde, sino que se potencia en dosis increíbles… Segundo, que el indie está que arde. Y la idea es, desde este blog, hacerles llegar algo de lo que está pasando en materia de nuevas propuestas.

Gracias a Yaye (mi nueva amiga indie) x las fotos de MC Ninja e Ian Parton (Go Team)

Si querés ver + http://www.flickr.com/photos/yaaye/

(Próximamente: videos del show de Go! Team)

De ser cierto… fea, muy fea la actitud de Chris Martin y su gente! Una cosa es plagiarse a sí mismos (el caso de “Violet Hill” que repite la fórmula 100 % Coldplay, tan recurrente como efectiva) y otra muy distinta es usurpar un hit sin ni siquiera concederle los créditos a su mentor. Igualmente, sin quererlo, le están regalando mucho más que cinco minutos de fama.

Acá les dejo un video que está circulando por youtube, en el cual el supuesto “damnificado” explica con pruebas y todo su versión de los hechos…

* * *

Hoy empezó siendo un día de ÉSOS…en que, a punto de atravesar el umbral de mi morada –léase: la puerta de calle- me detuve unos segundos, completamente negada. “No, no y no. No es justo. Tendría que estar prohibido por ley salir en un día así.”

Ya me había planteado algo parecido un rato antes, cuando todavía imposibilitada de abrir los ojos, los fucking pajaritos del despertador me recordaban muy contentos que era hora de abandonar la cama calentita y mi pijama para (mal que me pese) salir a ponerle garra al viernes lluvioso. Desubicados pajaritos. No se percataron de los 3° de sensación térmica.

Ni que hablar de la odisea rumbo a la parada del bondi, esquivando charcos y baldosas flojas, rara vez con éxito, y luchando contra el paraguas rebelde. Odio los paraguas. Cuando no se dan vuelta, se enriedan con otro paraguas que circula a contramano. El caos vehicular en Bs As es una constante…y las veredas, atestadas de tráfico de paraguas, los días de lluvia no son la excepción.

Finalmente llego a mi trabajo, obviamente empapada. Convengamos, chicas, que es muy difícil sentirse divina cuando las condiciones climáticas son tan hostiles. Pero bueno, una vez adentro de la agencia, el calor de la estufa pone las cosas un poquito mejor. Al menos ya no me importa la lluvia golpeando contra el vidrio, es más…me resulta sumamente inspiradora. Aparte, no hay nada que una medialuna y un café con leche no puedan arreglar.

Prendo la compu. Los nicks de la gente delatan que no soy la única que hubiera decretado feriado hoy: nubecitas y paraguas por doquier, y declaraciones de principios tales como “QUÉ DÍA PARA CUCHARITA”… Y sí. Tendría que estar prohibido salir hoy. Con excepciones únicas como ir hasta el kiosco en busca de chocolates, alquilar una película y de vuelta a estar tapados hasta la nariz. Qué lindo sería hibernar como los osos!!! Esos sí que la tienen clara. Pero bueno, ya que no se puede, vamos a tratar de pasarla un poco mejor…

Por eso, con excusa de éste clima tan poco afortunado y porque pienso que la banda sonora es algo clave en el desenlace de cada día, decidí dejarles unos disquitos recomendados con una sola aclaración: “unplugged” y “lluvia” para mí van de la mano. No son ni cinco ni diez; no son TODOS. Tampoco son necesariamente los mejores. Es, digamos, lo que hoy por hoy me pinta escuchar en un día como hoy.

Buen fin de semana!!

Oriundos de Brighton, UK, éste sexteto multiétnico compuesto por Ian Parton (guitarra, armónica, batería), Sam Dook (guitarra, batería, banjo),  Jamie Bell (bajo, efectos), Chi Fukami Taylor (Betría, voces), Kaori Tsuchida (guitarra, teclados, voces, máquinas) y una rapera negra (MC Ninja), tiene la particularidad de estar formado por gente que probablemente nunca hubiera formado parte de una banda…y justamente en lo freak reside el encanto, además de que cuentan con dos bateros, una estética signada por el graffiti y lo vintage y una sonoridad digna del soundtrack de una road movie, o de alguna película detectivesca de los años setenta.

Cuando el MotoRokr Band Warz llegue a su fin, The Go! team aparecerá sobre el escenario de The Roxy presentando su segunda y más reciente placa “Proof of Youth”, sucesora de ”Thunder, Lightning, Strike” (2004), elegido por Pitchfork Media como uno de los mejores discos del año.

Por lo pronto, en minutos se llevará a cabo en la Trastienda (Balcarce 460) la semifinal de la batalla con 6 bandas, con el cierre en vivo de Bonde do Role.

Si todavía no los conociste, podés chequear de qué se trata Grip Like a Vice, primer single de “Proof of youth”. Enjoy it! 

 

( Fotos: Gentileza Colombo-Pashkus)

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(*) Este blog se reserva el derecho de escribir todo lo que tenga ganas y va potencialmente dirigido a todo aquel que le guste leer y no se aburra demasiado rápido. De la misma manera se manifiesta en contra de la liviandad de contenido en pos de lo meramente “fácil”, “efímero” y “superficial” y, por sobre todas las cosas, en contra del lenguaje flogger. Se encuentran terminantemente prohibidos vocablos del estilo de “ARRE”, “BLDO”, “EFFEAME EN REVERSE” Y “JAKSKJASKJAS” por considerarlos terriblemente nocivos para el idioma castellano. Están avisados. Ah! cualquier objeción, están invitados a manifestarla a continuación, aunque eso no es garantía de que este blog les vaya a dar bola. Gracias totales.

Charly otra vez fue noticia por una de sus Pomeleadas, pero esta vez no quedó en una simple anécdota. Charly ahora está internado, después de romper todo lo que encontró a mano en un hotel en mendoza en el que se alojaba tras una pelea con uno de sus músicos. Un momento de furia, o una sobredosis, o un pequeño brote psicótico. Uno más, y van…

Lo triste de todo esto es la sensación de estar asistiendo al ocaso de un ídolo. Somos un país que no cuida su patrimonio cultural, eso está claro. Pero también somos un país que pareciera que le excita el morbo de la estrella en decadencia. Digo ésto y me viene a la mente de manera inevitable el Pity, erigido como el último gran héroe del rock&roll local, y pienso que son dos casos distintos, que responden a la misma cosa. Lo que marca la diferencia entre uno y otro es que Charly lo hizo TODO, musicalmente hablando, antes de entregarse al declive. Su único error fue no tener la capacidad de retirarse a tiempo y en lo alto… y ésa también es una de las cualidades tan típicamente argentas.

Charly se ríe espasmódicamente, con algo que sólo puede definirse como pícara amargura. <<The dream is over>>, repite, y vuelve a arremeter furioso. <<Yo soy lo más y todo lo demás no existe. Quiero que publiquen eso, pero no dicho por mí sino porque lo piensan. ¿O Son sordos? Un grupo de tarados que no sabe cómo afinar una guitarra es ruido, hay una diferencia con lo que yo hago (…) ¿Cómo puede ser que ellos graben discos y a mí me rechacen Kill Gil?>> Lo dice a los gritos. ¡Anotá!: Dream is over. [RS 121]

Hoy encontré un video de un momento de esos, tan únicos como efímeros que tuve la suerte de presenciar.

Fue casi un año atrás, en el festejo de los 10 años de La Viola. Apareció así de sorpresa sobre el escenario, le pintó tocar y ya… Ésa fue la primera y única vez que pude verlo en vivo. Un poco porque no tengo la edad suficiente para haber sido testigo de su esplendor, y otro poco porque hoy, me resisto a comprar una entrada para ser testigo de su decadencia…básicamente. Por eso lo viví como un verdadero regalo.

Éste, creo, es un retrato del verdadero ídolo, que poco tiene que ver con la otra cara, la que ilustra todos los diarios de hoy.
Que lo disfruten.

Los Sucesores de la Bestia parecen entenderlo bien. Al margen de la mayoría de las bandas que la reman desde el under con la meta algo ambigua de pegarla, éstos cuatro rosarinos, que eran cinco no mucho tiempo atrás- decidieron hacer la suya, alejados de las exigencias de los sellos discográficos y hoy prácticamente encabezan la new school rosarina: una esfervecente generación de bandas que trajo aires renovados a la ciudad que fue ayer y sigue siendo uno de los grandes semilleros del rock nacional. Lejos de Fito Páez y La Trova, lugares comunes a los que se recurre para hablar de la movida local; continuando con la impronta funk de Shocklender (algo así como sus antecesores inmediatos dentro del genoma musical rosarino) pero ante todo, cultores de sí mismos, LSB gestaron un estilo basado en el clash de dos opuestos, el funk y el heavy metal, y un repertorio de canciones eclécticas que switchean de un género al otro, baladas de (des)amor, más un hit de ¡seis minutos! y alguna agudeza lírica del estilo de “Me siento tan sexy…me quiero autocojer”.

Pero… ¿Quiénes son éstos chicos?

Los Sucesores de La Bestia arrancaron allá por el ’96, cuando Dani Pérez –su cantante y alma máter- se juntó con Fabricio, el guitarrista, con la idea de formar una banda. “Desde chico que lo único que quería hacer era tener una banda de rock. Más allá de que estudié e hice otras cosas, ninguna actividad captó tanto mi interés como la música. Y tenía el nombre desde antes de que se formara.” Empezaron siendo cinco, con Martín “Cachete” Greco en bajo, Pablo Brun en batería y Franco Ferreti en la otra guitarra. Pero Franco se fue a España en pleno proceso de presentación del disco Promesas, Mentiras y Café (2007). “El grupo humano se empezó a desmembrar. Y fue difícil porque es lo único que tenés: tus amigos y la música. Y si algo de eso no está, no es fácil mantener a la banda unida.” La pregunta fue ¿Y ahora qué? La respuesta: ¡Arriba los rulos!

“El afro y el funk se llevan bien”, le digo a Dani, y me cuenta que a la gente le caen bien los rulos: “Ahora me ven por la calle y me sonríen”. Más tarde hablaremos de la estética y la música, y su forma de entenderlo. Pero por ahora, son las 9 de la mañana en un bar del centro porteño, y se me ocurre preguntarle cómo lo trata Bs. As. “Y… la verdad que te la vuela”.

Dani viene seguido a Capital. Con tres de los Sucesores instalados en Bs As. los ensayos se vuelven algo intermitentes, y la idea es aprovechar cada minuto al extremo… y hoy es uno de esos días. LSB están trabajando en su próxima criatura, un disco doble –uno de funk, uno de rock- que planea salir a la calle para fines de éste año.

Allá por el 2001 Exotique era la carta de presentación de los tempranos Sucesores. “El primer disco, era una cosa horrible…pero era lo único que podíamos hacer en ése momento. Después vino El próximo hit del verano (2003), un EP que sólo tenía tres canciones. En 2005 sacamos Fantástico Bailable, que en realidad iba a ser EP, pero le agregamos un par de temas y terminó no siendo ni una cosa, ni la otra. Con ése disco nos hicimos conocidos por los videoclips (NdR: “Mimosa” y el cóver de Technotronic “Pump up the jam”), empezamos a tocar más seguido en Rosario. Y después vino Promesas…, que son casi todos temas de EP con versiones para tocar en un lugar chiquito. Nos fue muy bien con ése disco, tuvo buena respuesta de la gente. Pero es como que ya nos sabemos el repertorio de memoria…

Apartados de toda lógica impuesta, LSB eligieron el camino largo, el artesanal. Dani compone los temas y se encarga de mezclar y producir en su estudio; la web la diseñó Martín, que trabaja de programador. Pablo es técnico, y está al mando de las luces y el sonido. Y así con todo, se rigen por el criterio de que el músico debe estar al tanto de las cuestiones que rodean a su música, más allá de que sea otro quien lo hace. “Yo no quiero que venga un tipo a decirme que el disco vale ocho pesos, lo vendemos a diez y la guita se la queda la compañía. El disco sale dos pesos, yo hago discos y lo sé”, sentencia el frontman. Es por eso es que también decidieron mantenerse en la vía independiente, lejos de la vorágine de los concursos y los festivales y sobre todo, sabiendo decir que no a tiempo, antes que vender el alma al diablo, o a algún productor oportunista que, para el caso, vendría a ser lo mismo.

Autoapodados “la banda más careta” se rieron de todos aquellos que los criticaban por cuestiones estéticas y por hacer una música –el funk- asociada por el inconsciente colectivo con el glamour y las lentejuelas. Ya no salen al escenario vestidos de traje blanco, pero siguen creyendo en la estética como una consecuencia del contenido. “Yo creo que la banda tiene que ser un mundo y el disco tiene que ser la cristalización de eso: somos ésto, hablamos de ésta manera, nos vestimos de tal forma…”, dice Dani. “No me interesa que me rechacen, pero tampoco que me acepten por eso. Yo me metí a tocar porque quería tocar y nada más. Es un poder incomprensible para mí el de la canción, cómo perdura en la vida de la gente. Un tema te puede alegrar un día, te puede hacer recordar a tus amigos, puede comunicarte con gente…la música tiene una inmediatez, algo del aquí y ahora que ni el cine, ni la lectura tienen. Puedo tocar un tema y en tres minutos te generé una cuestión. Esa fuerza del rock me parece increíble, y no la encontré en ninguna otra forma de arte.”

Ahora son las nueve de la noche y pienso que el mote de “La más careta” le sienta bien a la muestra que estamos recorriendo. Coincidimos en que a veces se hace cualquier cosa en nombre del arte moderno. Se me ocurre que en las canciones, como en cualquier obra de arte, hay también una interpretación propia, del artista, y que debe ser molesto que vengan otros a explicarte lo que quisiste decir. “Al contrario – dice Dani- yo no creo que la mirada del artista sea superior. Si un tipo quiere hacer un juicio literario y encontrar algo sobre mis letras, lo va a encontrar. De todas maneras, Más allá de que es mi vida y me apasiona, se que el rock es muy boludo. Hay muy pocos momentos en la historia del rock que son realmente arte. Rapsodia Bohemia es arte. La música que yo toco la puede tocar cualquiera.”

- Tengo una duda… ¿Alguno de ustedes estuvo doce años con la misma chica?
-¿Tas loca vos?
- Entonces Sucesores es algo así como su mujer ideal…
- Si, ojo que también trae sus dolores de cabeza…

Doce años es un pedazo de vida. Y LSB lo festejan con un disco doble que promete reflejar mucho el sonido de la banda hoy, la forma de componer y de plantear un mundo. El mundo de los Sucesores de la Bestia. Como dice el Sr. Pérez: “No vamos a explicar nada… Si te gusta, metete.”

Hacé click para ver el video de “Mimosa”

El concepto de “No-lugar”, según Marc Augé es utilizado para definir una serie de reductos de la era postmoderna dentro de los cuales los humanos circulan ajenos a toda expresión o interacción real. Las autopistas, los aeropuertos, los shoppings, ambientes recreados con el fin de que los cuerpos circulen, lejos del “lugar” o el “espacio público” verdadero que permite fortalecer la identidad, el vínculo y la historia. El no-lugar es un medio ambivalente, dentro del cual los seres se ven, en cierta forma, deshumanizados.

Internet es hoy, el No-lugar por excelencia.

La idea –mi idea- es tomar por asalto éste pequeño espacio de ese inmenso No-Lugar. Y llenarlo de sentido…

Y para éso, qué mejor que la música. El lenguaje por excelencia, de acá, de allá, de ayer y hoy, y de todos los tiempos.

Bienvenidos a todos a mi pequeña burbuja musical.

La pantalla dentro del estudio está clavada en MTV Jams, el nuevo canal del hip hop: 24 horas ininterrumpidas de lo más destacado del género a nivel mundial. “Cuando ví este canal dije no… debe ser una joda. Pero no, me quedé mirando horas seguidas, loco, y no se cortó nunca!”. Es viernes, 3 AM. Está por arrancar el tercer programa de “La guerra del Audio”, el espacio en el que –junto a su hermano Leeva- copa las madrugadas de sábado en Rock & Pop, y Dante nos abre las puertas de la radio. Su figura gigante, enfundada en una remera ancha y su infaltable gorra, mucho se asemeja a los raperos de la pantalla; su espontaneidad al hablar, en cambio, delata la esencia de un pibe que musicalmente hablando se dedicó, simplemente, a hacer la suya. Sólo que ¿sin quererlo? Se convirtió en el abanderado argento de la cultura de la doble H, logrando instalar la movida a nivel nacional, ya no como un género sino como una forma de vida que hoy suma cada vez más adeptos.

El hip hop viene conquistando espacios a nivel internacional, y Argentina no es la excepción. En ese sentido, “La guerra del audio” planea ser una pata importante del movimiento: “En lo personal, es una oportunidad de pasar la música que nos gusta, y dar cierta información, que la gente conozca sonidos diferentes, más allá de 50cent, que es lo típico que se escucha cuando hablás de hip hop. Y además, uno de los conceptos del programa es recibir material para tener un estreno nacional cada sábado. Y con el tiempo, armar una movida local, mover las fiestas, los campeonatos de freestyle, y de break… Para los pibes que recién sacan un demo, el hecho de escucharte en la radio te ayuda a crecer, porque es como que estás al mismo nivel que los demás, podés compararte y está bueno.”

El hecho de que haya un programa íntegramente dedicado al hip hop habla de una aceptación que tal vez antes no había. ¿Cómo viviste esa evolución desde tu lugar, un poco adelantado?

Creo que si, el hip hop evolucionó un montón y la gente está más permeable. Antes percibían al hip hop como algo yankee. Ahora se volvió más local, cada vez hay más fiestas, campeonatos, gente que escucha. En el último Personal hubo un día íntegro de hip hop y fue el día que más entradas se vendieron. Y eso está grosso, para la industria es algo interesante. Es un síntoma de lo que está pasando en las calles, la gente lo pide.

Cuando algo que nació en un ghetto se vuelve de golpe tan masivo, ¿no pierde un poco su esencia de contracultura?

No, tienen que pasar muchos años para que eso pase. Ni el rock perdió su esencia. Creo que obviamente, dentro de diez años va a haber una bola de bandas de HH, y la mitad van a ser de mentira. Un invento del negocio nada más, más que espíritu de hacer algo. Pero me parece que falta mucho, por lo menos en Latinoamérica es una revolución que está recién desarrollándose. Y creo que cada país va a tener su sonido distintivo. El hip hop es una especie de célula mutante que cae y se mezcla con la fauna local.

¿Cómo explicás que un movimiento que nace en los barrios bajos pueda llegar a convertirse en moda incluso dentro de los estratos sociales más altos?

Y… la música mueve. Imaginate como llegó el rock, que nació lejos, hasta acá. Cómo llegó, cómo se adaptó. Creo que, más allá de la moda, hay cosas que uno no elige. Cuando sentís mucho algo, se genera una conexión que va más allá del gusto. Lo sentís, y punto. No es que decís “Quiero ser rapero, y voy a ser rapero”, porque eso es una pose. Cuando tenés una relación directa, y llegás a ser parte, a estar tan vinculado, es porque uno está poniendo el corazón. A lo que voy es que está buenísimo que se escuche en todos lados. Si ese lugar no lo ocupa el hip hop, lo va a ocupar otra cosa. Entonces está bueno que lo ocupe el hip hop.

El hecho de que sea una cultura de otro lugar, obliga a cierta traducción de la cultura. ¿Buscás generar pertenencia a través de ciertos elementos?

Si, a full. Yo quiero escribir canciones que simbolicen cosas para la gente. Creo que el hip hop, al ser tan lírico, tiene la posibilidad de decir cosas que pesen. Y que importamos ciertas cosas, pero en sí se termina desarrollando acá. La gente cree que el hip hop es homofóbico, misógino…pero ésa es sólo una parte de la cultura. Y no hay que importar la gilada. No hay que importar el hacerte el gangsta si no sos gangsta. Creo que la onda es ser uno mismo. Cuando sos más chico pasa que mirás la tele y querés ser un personaje. Pero cuando crecés, ya no. No andes por ahí haciéndote el pistolero si no tenés pistola porque va a venir un pistolero y te va a meter un corchazo.

Bueno, en el último Personal (NdR: un enfrentamiento entre el público que terminó con un apuñalado) me dio esa sensación, hay muchos que lo entienden mal…

Bueno, lo que pasa es que acá en Argentina…somos más negros que los negros, por decirlo de una manera sudaquera. Hay pibes que están viviendo una realidad re dura y están metidos en el bardo. Hay gangstas en argentina también, pero no es por el hip hop, es por la realidad que viven. El hip hop al contrario, les da una oportunidad grosa de salir un poco de eso. Lo que tiene es que para hacerlo, no necesitás nada más que un pibe con una computadora que ande más o menos bien…y si rimás zarpado, podés llegar a la cima. Y eso lo practicás en la esquina con tus amigos, no tenés que ir a un conservatorio. Es música que la podés hacer en cualquier lado. Lo que importa es el talento que tenés, el huevo que ponés, y cómo laburás para lograrlo. Eso es lo que tiene el hip hop: vos rapeás, y empieza el quilombo. Perdón, chicas… tengo que salir al aire!

“El Apagón” es la segunda placa solista de Dante, y marca una especie de bisagra respecto de su antecesor “Elevado” (2002): de lo introspectivo y espiritual a lo real, de la búsqueda estética al lenguaje de la calle, el Dante se propone encabezar la revolución del sonido. Compuesto, producido y editado por él mismo a través de su sello Moncho Records, El Apagón, como su nombre lo indica, surge desde las tinieblas y, paradójicamente, viene a traer luz dentro de la new school nacional, aunque su mentor reniegue un poco de ese mote de “estandarte” que se ganó a fuerza de vanguardia: “Yo no me hago cargo por todo el movimiento, porque también hay cosas que no me gustan, y por otro lado hay gente que no le gusta que yo me haga el abanderado. Soy el referente más conocido, pero creo que cada uno se representa a sí mismo”.

El hecho de crear tu propio sello es una apuesta bastante jugada, dado el momento que atraviesa la industria discográfica…

Primero, fue una cuestión de necesidad, de pasar meses y años hablando con sellos y no encontrar la respuesta que yo esperaba. (NdR: chequear el último track, que reza: “Hay que ser duro para vencer / si sos blando podés enloquecer / no cambio mi magia por tu Mercedes-Benz, no cambio mi estilo para vender CDs (…)Mi relación con la música es sagrada y digo, nada más te importa vender discos decorados como torta / música estéril, sin magia, sin onda…”). La idea es, en algún momento que empiece a pintar el billete decir “bueno, loco, este flaco rapea re grosso, saquémosle el disco”. Ése es el plan, armar un sello que tenga más artistas, más allá de Dante. Ojalá llegue ese día, por eso la pata en la radio está re buena, lo de los festivales está re bueno. Hacer cosas que generen movida. Si el camino no está asfaltado, hay que asfaltarlo uno. Yo ahí pongo la pala y le doy.

Venís de una tradición y un papá rockero… ¿Cómo se despertó tu conexión con el hip hop?

Por la droga, amiga… (risas).

No, la verdad, tanto yo como mi hermano Leeva nacimos con el rock, con la familia del rock, con el humo y toda la movida esa. Sentimos el rock en su esencia. Pero para nosotros la revolución pasaba por otro lado. Nosotros veíamos rock y eran todos “uuuh…hippies”… Pero en mi casa también se escuchaba mucha música negra, sobre todo funk, y nada que ver los pasos, los trajes… flasheamos y nos enganchamos en otra.Y con Emmanuel y con mi hermano hacíamos canciones que rimaban, pero no sabíamos bien qué era. Un amigo de mi viejo nos dijo “Eso es rap”, y nos re copamos. Primero fue Michael Jackson, después apareció RUN DMC… estábamos todo el día bailando breakdance. Empezamos a cortarnos los pelos, a colgarnos alguna cadena que le robábamos a alguna tía… y después empezamos a conocer gente, a ir a discotecas y concursos de baile. Y para mí fue super lógico seguir en esa, de hecho, si no se hubiera cortado después de los ‘90s, la movida hoy sería mucho más grande. Y creo que hoy en día el hip hop es la revolución de la calle. Ocupa el lugar que ocupaba el rock de los ’60 y los ’70.

Este disco marcó un quiebre, abriste el panorama en cuanto al sonido. ¿Te copa más la fusión que lo tradicional de la Old School?

Creo que la carrera de uno es a veces tipo Lost; estás en una islita y de golpe llegás a un lugar y te encontrás con un mundo nuevo. Con la música es igual, a veces llegás a un lugar que está buenísimo y hay miles de cosas para explotar, para explorar… En realidad me copa lo que tenga que pasar; no tengo leyes a la hora de hacer música. Si tengo que tocar la guitarra (que no es lo que haría un rapero), lo hago también, porque crecí con eso. Pero en el hip hop está bueno experimentar con cosas que sean distintas, igual no me fuerzo…Hay temas de mi disco que suenan hip hop 100%, pero hay otros que nacen de mezclar un poco más los materiales. Más tipo “alfarero”, es una mezcla de tecnología y alfarería. ¡Uff! (Risas)

El hip hop y la cumbia se mezclan en ciertos aspectos. Hay buena onda, creo que hay cosas en común. Pablo Lescano (ex Damas Gratis), por ejemplo, tocó conmigo en el Pepsi, y después yo toqué con él en Niceto. Es música de la resistencia también, música del barrio. Ahora está sonando a full, muchos cumbieros están escuchando hip hop, y muchos raperos escuchamos cumbia. Y creo que capaz eso también crea un sonido nacional distinto. En Mis presidentes muertos hay cierto sonido de cumbia, que en el próximo disco va a estar mucho más exagerado, porque anda. Te hace bailar, tiene la misma raíz afro. El hip hop y la cumbia son ritmos afro, están conectados. No hay con qué darle.

Y tu viejo, que siempre fue súper estético con el lenguaje… ¿Qué opina de tu lenguaje callejero?

Es que en realidad lo mío también es estético a su manera. De todos modos, son caminos artísticos distintos..cada uno eligió el suyo. Entonces cualquier cosa, le digo “Papá, no te metas”…

fotos: Luly Brizuela

Los umbandistas -léase: creyentes y practicantes de la religión de Umbanda-, profesan su fe evitando los pensamientos negativos, basándose en la idea de que todo vuelve multiplicado. Como contrapartida, la movida del sound system y la crítica social prácticamente van de la mano. Y si existe un elemento capaz de unificar esos conceptos, eso es Los Umbanda.

Cuando eligieron el nombre no sabían bien de qué se trataba. Tenían apenas 14 años y eran compañeros de colegio en el Juan Pedro Esnaola, escuela nacional de música del barrio de Paternal, y el lugar que vio nacer a “Los umbanda de la turka”. Hoy, quince años después, son “Los Umbanda” a secas, y otro espacio los encuentra reunidos en torno a una cerveza fría. Otro espacio, el mismo barrio: la casona donde ensayan “y alguno que otro vive”, cuenta Gaspar OM, “gurú” compositivo y voz del grupo, encargado del sampleo y un poco el mentor de todo esto. Así y todo, la palabra “lider” sonaría un poco extraña, dentro de un grupo donde todos y cada uno de los ocho son piezas fundamentales.

El mestizaje, la fusión de estilos todavía está explotando, en el marco de un panorama musical algo rígido en cuanto a los encasillamientos y -por qué no- a la tendencia a rotular del periodismo en general. “La identidad está en la visión que aporta cada uno a esa fusión que termina siendo Umbanda. - Cuenta Matu- Generalmente las bandas son de reggae, o son de rock o son de hip hop; la mayoría se alinea en algún lado para poder subsistir. Por eso Umbanda es original, porque no encaja dentro de ningún estilo. Cuando nos preguntan qué tipo de música hacemos nos pasamos diez minutos tratando de explicar… y terminamos diciendo que es electro-reggae-tronic-hip hop-rock…”

Lo cierto es que, a una fuerte impronta reggae, le fueron sumando los más variados colores. Desde los ritmos afrocubanos hasta el punk rock; desde elementos más autóctonos, propios del candombe o la zamba (NdR: chequear la “Milonga Dub”, track 9 de “Musikadelante”) hasta la lírica intrincada del hip hop, en tanto avalancha de frases cortas, contundentes, encadenadas, en plan MC pero con sello distintivo. Aunque el verdadero quiebre en el plano sonoro de dio a partir de 2004, año en que editaron “Hibrido! Hibridub! Hibrilove!”, tercer disco de la banda y el primero en incorporar los samplers y sintetizadores que vendrían a completar la identidad musical de la Umbanda Sound Machine.

Cuenta Gaspar: “El hecho de tener la compu en casa sí, fue una revolución. Pero en realidad Umbanda siempre tuvo lenguaje de máquina: la forma de tocar la batería, la percu loopeada, el mantra… eso repetir las estrofas una y otra vez y así ir generando caminos dentro del sonido, eso siempre estuvo presente, aunque de manera más artesanal”.

Son varios los artistas que se emparentan con la movida del sound system, y con algunos de ellos Los Umbanda tuvieron oportunidad de interactuar. Sin ir más lejos, fueron teloneros del Radio Bemba Sound System de Manu Chao, en el recordado All Boys de 2005. Actitud María Marta, por su parte, se presentará junto a ellos en el show de éste viernes en Niceto. Sin embargo, conceptos como resistencia y crítica social, denominador común dentro de esa rama, no aparecen de modo tan determinante en el mensaje de Umbanda. Para ellos, la idea es básicamente, tirar una buena, “pasar un mensaje de libertad y de música, sin caer en demasiados conceptos esotéricos ni antropológicos”.

Y el concepto de “Musikadelante” (2007) va por ahí. La cuarta placa del grupo, que cuenta con algunas colaboraciones interesantes (Tavo Kupinsky, de los Piojos, y Alejandro Sokol) ubica a la música en un lugar casi sagrado; como un arte, una expresión, una vibración. No como una cuestión puramente estética. Y tal vez ésa sea la receta para tanto tiempo en la vía independiente, y sin fisuras. “Cuando querés buscar difusión tenés que repartir tu tiempo entre hacer música y salir a buscar un gancho de donde colgarte. Nosotros elegimos hacer música. Seguimos jugando.” Sentencia Ropi, y Gaspar agrega: “Aun hoy conservamos el espíritu de niños. De eso se trata Umbanda: de seguir juntándose con amigos, a hacer música”.

¿De qué va esa idea del reggae foucaultiano?

Dos cosas: por un lado, no hacemos pura y exclusivamente reggae aunque en muchas de nuestras canciones predominen los patrones rítmicos del género. Pero además denominar como “foucaultiana” a nuestra música es un gesto provocativo, irónico: El filósofo Michel Foucault pensó, entre otras cuestiones a lo largo de su vida, cómo es posible practicar efectivamente la libertad o la felicidad en estas sociedades modernas en las cuales la principal preocupación parece ser la necesidad de definición: dime qué haces, dime qué consumes y te diré quién eres, dime cómo cojes y te diré que perversión te afecta. La arbitrariedad de conceptos como el de “normalidad”, por ejemplo, inquieta por que en realidad intenta amplificar una sospecha (que es la que justifica la pregunta del poder por cómo vivimos nuestras vidas) antes que tranquilizar a las “buenas conciencias”. Eso entendimos con Foucault: detrás de ciertas preguntas hay una voluntad de control muy sutil. Descubrimos que todos somos sospechosos de ser “anormales” por algo: por lo que pensamos, por cómo hacemos lo que hacemos, por ser desocupados, estudiantes, artesanos, plomeros, maestros o profesores. Nosotros, que vivimos en Guernica (un pueblito del tercer cordón del conurbano bonaerense), humildemente, por que ninguno de nosotros es filosofo o especialista en el pensador francés, utilizamos varias de sus ideas como disparador para pensar lo que nos pasa a nosotros hoy: cómo vivimos nuestras vidas bonaerenses en la Argentina del 2007, con el amor, el poder, el trabajo, el sexo, la felicidad, los amigos y la violencia.

Entonces, ponerle una definición a lo que hacemos puede sonar contradictorio. Lo es. Lo hacemos para no olvidar nunca la incomodidad de estar tranquilos…

¿Cómo es que surge el interés por hacer música partiendo desde una teoría filosófica?

Hay un accidente en el comienzo de Pléyades. De los doce músicos que conforman la banda, cinco somos hermanos y otro es nuestro tío (de hecho, el nombre Pléyades viene de un mito que destaca el valor de la unión, la fraternidad). Unos cuantos años atrás, en las reuniones familiares adquirimos la mala costumbre de juntarnos a zapar después de comer. Un día estábamos boludeando, tomando el larguísimo ultimo vaso de vino y el Chino (el mayor de los hermanos y cantante) trajo un parrafito de un libro de Foucault (”Vigilar y Castigar”), que una novia le había regalado pensando que era una novela (”Crimen y Castigo” de Dostoievski) que él tenía que leer para la facu. Como cambiar el libro implicaba viajar a capital, y encima que somos bastante pachorras, quedó en casa. El párrafo que leyó era fuerte: hablaba de la disciplina, del control de las personas. Como estábamos tocando una base en tonalidad menor, y medio “entonaditos” si cabe el chiste, uno se puso a improvisar con ese párrafo lo que hoy es la letra de “Anormal”, el tema que además le da nombre al primer simple de la banda. Y como para incorporar malas costumbres somos especialistas, comenzamos a hacer lo mismo antes de cada ensayo. Estas charlas previas al toque, en las que hablamos de lo que nos pasó en la semana y demás yerbas de la vida cotidiana, con frecuencia son abiertas por la lectura de algún textito histórico o filosófico que sirve como para entrar en clima. Esta bueno, por que a veces salen temas locos pero ricos por que hablan de cosas que vivimos a diario pero pensadas desde alguna idea de Foucault. El tipo nos sirve para entender muchas situaciones, muchos acontecimientos de nuestras vidas.

¿Qué cosas les interesan aparte de la música? ¿Alguno estudia filosofía, por ejemplo?

Bueno, desde luego existen intereses muy distintos al interior de la banda. Somos doce músicos de edades diversas (el más chico tiene 18 y el mas grande 52) y todos vivimos de cosas bastante disímiles: hay algún artesano, plomero, contador, maestro, chef, pintor, fotógrafo, comunicólogo o estudiante de cine. Desde luego que nos interesa esta señora llamada filosofía, pero ninguno tiene una relación “seria” con ella (somos una suerte de putañeros de la idea o amantes, si suena mejor). En serio: no hay relación seria con la filosofía, o mejor dicho, no hay relación académica con ella. Todos leemos y tratamos de pensar pero ninguno pudo nunca estudiar. Leemos, discutimos, puteamos y nos reímos mucho. Y también imitamos bastante a Platón: el vino acompaña cada diálogo, llegue a donde llegue.

¿Por qué eligen como soporte el reggae, que generalmente habla de temas más ligeros?

La verdad, no estamos muy de acuerdo con esa definición del reggae como genero afín a temas mas “ligeros”. Creo que hoy en día hay una beta comercial, hay un problema con la “industria de la cultura” que banaliza temas que deberían ser tratados con otra óptica, pero eso no es patrimonio exclusivo de ningún género musical e incluso de ninguna expresión artística (preguntémosle al teatro o al cine sino). Ahora bien, nuestra elección tiene que ver con una suma de cosas: el reggae es un lenguaje muy dúctil. En la banda hay gente que vino del punk pero también del jazz y el folklore. A pesar de las diferencias estéticas, pudimos entendernos, conectarnos en el reggae. Pero además, dentro de la ductilidad del reggae, está la posibilidad de fusionar con otras cosas y eso es lo que hacemos. Sintéticamente: el motor de nuestra propuesta es el disfrute.

¿Tienen referentes dentro del reggae?

No, la verdad no. Hay gente a la que admiramos cuya música disfrutamos mucho, pero de allí a decir que tenemos algún referente… Creo que no.

¿Otras influencias?

Uf, es complicado definir otras influencias. De Duke Ellington a El Original, pasando por Gardel, Goyeneche y Caetano, Orishas y Rage against The machine… todo deja su marca. De hecho, escuchamos mucho reggae pero al hacer nuestra música la imagen es la de un campo de batallas: se cagan a piñas todos nuestros gustos y estados de ánimo.

¿A qué público apuntan? ¿Creen que la propuesta puede llamar la atención de mucha gente, o eso no les interesa tanto?

Mirá, la otra vez pasaban una nota a Silvio Rodríguez en la que le preguntaban a quiénes considera él sus herederos. Y el tipo dijo, con una belleza poética envidiable, que a todo aquel que tratase de entender su música, de hacer algo con ella. Salvando los millones de quilómetros artísticos (perdona el atrevimiento Silvio), podemos parafrasear al poeta cubano diciendo que lo que hace Plèyades va dirigido al que quiera divertirse y pensar. Por que de verdad buscamos eso: divertirnos con los que disfrutan nuestra música y disfrutar con aquellos que por ahí se descubren identificados con algo de o que decimos.

¿Cómo vienen con las fechas? ¿Por dónde van a andar tocando?

Tenemos un periplo interesante de acá a marzo del año que viene: en zona sur vamos a tocar en Adrogue, Burzaco y San Vicente los primeros viernes de noviembre y el primer fin de semana de diciembre hacemos una mini gira por Rosario. Cerraremos el año con una gran fiesta en Guernica, donde despediremos “Gira Anormal 2007” junto a músicos amigos y daremos comienzo a la “Deriva Trashumante: Episodio I”, nos llevará a Pinamar, Gessell, Mar de las Pampas, Mar Azul y Santa Clara del Mar durante enero y febrero de 2008. Los invitamos a pasar por www.pleyadesconexion.com, nuestra página web, pues allì encontraran precisiones sobre los shows, además de fotos, canciones y algún que otro textito.

Aquí les dejamos - a modo de “carta de presentación”- la letra de “Anormal”, la canción que le da nombre al primer simple de Pléyades.

Anormal

Caminando solo, sin saber que hacer
soy un fugitivo del amanecer.
Luces azules y rojas me alertan
busco despegarme de esta situación,
en la que soy señalado por caer
en la tentación de ser… tal como elegí
corrido del lugar que esta sociedad
me invitó a ocupar, por eso suelo estar…

Señalado, vigilado
anormal, anormal, anormal
Encerrado, medicado
anormal, anormal, anormal
Necesario sin embargo
para sostener la normalidad
relativamente raro…

Usufructuando mi derecho a preguntar
por qué sí, por qué no
no entiendo bien por que nadie me responde
cómo y quién define lo normal
Y otra vez soy señalado por caer
en la tentación de ser… tal como elegí
Corrido del lugar que esta sociedad
me invitó a ocupar, por eso suelo estar…

Señalado, vigilado
anormal, anormal, anormal
Encerrado, medicado
anormal, anormal, anormal
Necesario sin embargo
para sostener la normalidad
relativamente raro…

Soda Stereo. foto: Damián Benetucci

Después de un largo rato de estar ahí, daba la sensación de estar viviendo una situación normal: una banda que toca un par de temas y luego se presta a un relajado ida y vuelta con la prensa. Risas, chistes, alguna pregunta punzante y respuestas con altura… pero no la del ídolo que se ubica en un pedestal, sino la altura, el tacto y la precisión de una persona que ya está de vuelta en cuestión de experiencia. O tres, en este caso.

El detalle es que no se trataba, precisamente, de una situación normal, ni de un evento de los que pueden vivirse a diario. Ayer, 20 de septiembre, fue el día elegido por Soda Stereo para oficializar su reencuentro ante los medios de toda Latinoamérica. Pero lo inesperado para algunos, lo emotivo para otros, lo imperdible para todos: abrieron la noche tocando “Sobredosis de TV” y “En la ciudad de la furia”, en versión trío -“Algo que casi nunca en nuestras vidas hicimos”, dijo Cerati-. Una vuelta al estilo The Police, tal vez… pero igualmente imperdible.

La conferencia que dieron fue el único contacto con la prensa previo a la gira que arranca el 19 de octubre: 19 shows, a lo largo de 9 países, y millones de personas que serán testigos de la vuelta más esperada de todo el continente.

Nada es casualidad

Museum fue, años atrás, la locación donde se rodó el clip de “En la ciudad de la furia” y ayer se convirtió en la sede de su reencuentro, con un escenario plagado de televisores blanco y negro con señal de interferencia, remontando a la primer gran puesta en escena de Soda en el Teatro Astros. Ayer, exactamente diez años después del último concierto en River.

“Se dan una suma de coincidencias increíbles”, dijo Cerati. Aunque más allá de toda coincidencia, se trata de una gira de una infraestructura monumental, en la cual ningún detalle queda librado al azar. Ni siquiera ellos, que exhibiendo un look muy 80’s y su impecable sonoridad, parecían realmente haber salido de la tan mentada “burbuja en el tiempo”… aunque más contemporáneos que nunca.

“Me gustaba la idea que mis hijos vieran a Soda Stereo alguna vez…

…Las propuestas siempre existieron, las presiones también. Pero personalmente, acabo de terminar una gira extensa como solista y sentí que era un buen momento para celebrar, después de diez años. Fue una suma de situaciones, no hay una sola en particular. Se dieron una serie de encuentros con Zeta y Charly… La gente lo pedía, y yo anuncié que iba a ser cuando no estuviéramos demasiado patéticos.. y si todavía no lo estamos, es un buen momento.” (Cerati)

“Nunca nos peleamos…

…Una cosa que quiero aclarar es que nunca hubo una concreta pelea, sí un alejamiento. cuando estábamos en el ruedo, tocando, sentíamos el agotamiento. Pero sí, había que cambiar la actitud porque en definitiva está la plata, está la gente que arde por tu presentación, el momento.. pero en definitiva, si no lo disfrutamos nosotros, no lo vale. Hay ciertas cuestiones que ya están limadas… estamos re limados.” (Cerati)

Una de las cosas interesantes que suceden ahora es que hay una especie de frescura cuando tocamos, se recupera una energía que en el momento en que estábamos en actividad, se perdía. Ahora se ve con otros ojos, las canciones, la forma de encararla… lo que cambia es la óptica desde la que uno lo ve.” (Cerati)

“No volvimos por el dinero…

…no habría problema en admitirlo, pero si el regreso hubiese sido por el dinero, hubiéramos vuelto hace siete años. Porque la verdad que nos están ofreciendo muy buen dinero desde hace mucho tiempo, y nos convenía más estar juntos que separados. Pero no lo sentíamos así. Es la primera vez que justamente no vinieron las propuestas de afuera. Que nosotros dijimos OK, dale que va…salí a proponer.” (Bossio)

“Si realmente no nos mancáramos, si hubiera una situación irreconciliable.. no hay guita que te lo pague, man. Yo personalmente no me muevo de mi casa” (Cerati)

El reencuentro…

“El día que nos encontramos en la sala y nos juntamos realmente a hacer música, estaba toda la gente que trabaja con nosotros como hipnotizados de vernos en la sala de ensayo juntos…tuvimos que echarlos a todos. Y nos pusimos a tocar, tocamos 40 temas… todo se prendió fuego muy rápidamente. Si vos me decís ¿qué fue lo que pasó entre ustedes tres…? Nada, el tiempo cura.” (Cerati)

“El tiempo fue lo que nos permitió este reencuentro. El reencuentro no fue un día… fue en el tiempo, redescubrirnos, alejarnos… Yo particularmente estoy disfrutando este momento. Aprendí a entenderlos a ellos en el tiempo” (Alberti)

“Nosotros sabíamos y percibíamos de la gente una bienvenida… nos superó ampliamente lo que nosotros habíamos imaginado. Somos seres ordinarios a los que les ocurre algo extraordinario… y tenemos que lidiar con eso” (Bossio)

¿Nostalgia o novedad?

- “Sobredosis de TV es un disco que sonaría muy bien hoy” (Martín Ciccioli, Rock & Pop)-

“Va a haber una relectura de aquellos discos a través del tiempo… Hay temas que suenan muy actuales, “Nada personal” o “Signos” las tocás muy ajustadas a como realmente fueron creadas. También hay versiones que se salen del mapa. Va a haber un poco de mirada retrospectiva pero… estamos en el 2007, no? (Cerati)

¿Cuál va a ser el epílogo del reencuentro?

¿”Holas totales”, será? Quiero aclarar por enésima vez que aquella vez, del Gracias Totales… yo me di cuenta que no llegaba a nombrar a todos los que tenía que nombrar y cerré con esa frase que quedó en la memoria colectiva y me perseguirá por siempre jamás. Pero fue algo que surgió en el momento y lo que menos quiero pensar ahora es qué es lo que voy a decir…” (Cerati)

“La verdad que nos desbordó…

…yo directamente, un par de días antes que se pusieran en venta los River, decidí irme de Buenos Aires. Dije, me voy al sur, a disfrutar de la naturaleza… no me quiero enterar. (Mentira, porque después estás todo el día conectado) No llegabas a caer en la sorpresa de que se había vendido un River, que ya se estaba vendiendo otro… y cuando preguntan si esperábamos eso… no. Podíamos sentir, prevenir algo, pero la verdad que nos desbordó. Con el correr de los días te vas acostumbrando y te vas metiendo en la piel de Soda Stereo. Yo estuve durante muchos años fuera de todo esto, y quizás por eso las emociones son más fuertes para mí… fue un reencuentro con la masividad, con ellos y con la música que quise durante tanto tiempo. Me pasó que a los tres días dije, volvamos, porque no voy a estar tranquilo, porque ya quiero volver, ya estoy excitado, porque ya me quiero meter en todo esto que está pasando.” (Alberti)

“Soda es un grupo popular…

… la música sale por los parlantes y la recibe quien la recibe. Soda es un grupo popular, jamás renegamos de eso, ni nos pusimos en situación de exquisitos. Tal vez nuestra música ha sido bastante sofisticada para lo que uno imagina que se proyectó a nivel popular cuando uno la compara con otras cosas.” (Cerati)

“No quiero hacer una crítica a la compañía ni nada, pero estos años Soda se mantuvo gracias a la gente. No hubo una intención de nadie que los chicos de 12 años vayan a un River. Los discos se reeditaron porque la gente lo pedía. Nadie trabajó para que eso pasara” (Bossio)

¿Sexto River? ¿Nuevo disco?

“Por ahora, nada está cerrado, pero por lo pronto, no debemos olvidar que esto es retrospectivo y cada uno tiene sus propios proyectos… Veremos dónde nos lleva la marejada” (Cerati).

Tal vez la entrevista vía msn no entre en el “decálogo del buen periodista”… pero es una alternativa interesante para una banda de la generación web. Ariel Flores, frontman de Azafata… he aquí un face to face virtual con el líder de una de las bandas del momento.

¿¿Se identifican con un travesti??, pregunté. La afirmación resultaba al menos llamativa, si uno se pone a pensar en el prototipo del rockstar de hace algunas décadas: tatuado, musculoso, algo bruto, por qué no… “El travesti tiene mas huevos (valga la redundancia) que todo el equipo de Boca junto, es algo súper extremo y pintoresco, es gente que sueña con ser una reina y de hecho lo es… son reinas de la noche“, sentencia Ariel, y la idea va tomando color. “Fijate vos qué atractivas y de culto que son las películas que usan al travestismo como tema: Priscilla, Hedwig and the angry inch, Transamérica, Rocky horror… Andy Warhol estaba completamente fascinado con este género, de hecho él siempre estaba rodeado de los travestis más freakies de NY. Creo que ya ni se podían catalogar de travestis… ¡Eran señoritas muy diferentes! Jajaja Pero están muy ligadas a la cultura del rock.”

Es verdad que siempre hubo un coqueteo muy fuerte entre el rock y el glam… y Azafata hizo de esa relación el eje de su propuesta, a puro brillo y excentricidad.

Si bien éste fue el año que les permitió el gran salto, “Rockbit”, su placa debut, ya se había editado en 2004, cuando la banda llevaba un año de vida desde su formación inicial: Ariel Flores en guitarra y voz, Fernando Del Gener en sintetizadores y coros, Juan Florido en bajo y coros, Ludovica Morell en percusión y batería, y Marcelo Iammarino al mando de la segunda guitarra, quien se bajó del proyecto un tiempo después.

¿Por qué dejaron de ser 5?

Deberíamos haber sido cuatro ya desde el comienzo pero la depuración natural que tiene el rock como “calle” tardó un poquito mas con ese “5″. (Marcelo) Era un guitarrista excepcional que hubiera sido muy bueno para la banda, pero lamentablemente entró en la crisis de optar por una carrera “segura” y mas estable….fue algo así como una separación de mutuo acuerdo, era algo que tenia que pasar… El rock es cruel en su selección natural y sólo sobreviven los mas aptos.

¿Cómo se llevan con el tema de las entrevistas? ¿Les divierte o no?

Si.

(Estás esperando que escriba más…) jajaja

(Risas) Escribí lo que tengas ganas…

Te lleva un par de entrevistas armar el speech, pero una vez que lo tenés es medio como un casette, encontrás las palabras que mejor te representan y algunas hasta que te ayudan a salir de preguntas difíciles.

¿Aburre que les pregunten siempre lo mismo? Hay bandas que son muy reacias desde el principio…

Creo que el circo de divismo que rodea la cultura pop-rock es parte de la naturaleza del artista, es un accesorio que viene con la Barbie y hay que hacerse cargo y disfrutarlo, por qué no.

¿Y ustedes se sienten adentro de ese “circo de divismo” del que hablás?

Claro. Es divertido, pero no por el divismo en sí, nos encanta la parte transgresora de ese divismo, la que esta vinculada al rock, el divismo que ofende a un ojo no acostumbrado a la distorsión.

¿Qué hay de los rótulos? Pop-rock, Glam-rock, Rock ochentoso… todo eso leí sobre ustedes…

Creo que pop-rock nos identifica bastante bien. La palabra glam rara vez salió de mi boca y creo que esta tan bastardeada que deberíamos dejarla descansar en paz, sobre un disco de Marc Bolan o la película de Velvet Goldmine…. y lo de rock ochentoso es algo si se quiere muy de la prensa que tiene que encontrar una asociación rápida y fácil en donde meterte en el mercado….

Dada la hibridez de su estilo, ¿Qué piensan sobre esa idea algo cerrada del rock que descarta las fusiones?

Me encanta, creo que es una “luz” que va a estar siempre en el corazón quebrado de los jóvenes. ese karma y a la vez motor que carga el rock, esa necesidad de sorprenderte y tocarte un nervio. La adolescencia, y su rebeldía creo que se instala y prácticamente nace con los Beatles. Hasta ese momento los jóvenes se tenían que tragar sus frustraciones y pasar de niños a adultos, el rock les abrió una puerta de transición en la que “pueden ser”. Obviamente que no solo es ese soporte psicológico/filosófico…es un espacio artístico infinito, como todas las ramas del arte, se abrió el abanico y lo demás es historia y música bella….es pop, es rock , electrónica….

Bueno, por eso… es positiva la experimentación en el plano musical, pero hay quienes la critican.

Critican los que no hacen. Cuando hacés no tenés tiempo de criticar, es todo una vorágine positiva de escuchar , disfrutar, catalogar de interesante o no, de bello o no, y de componer… no hay tiempo para criticar y prefiero ir a ver una película al cine antes de gastarlo en una critica.

Si hay que describirlos con una palabra, ésta sería sofisticación, tanto en su look como en su sonoridad. Fueron muchos los artistas pioneros en el arte de hacer de su música y su estética, un único producto. Ariel reconoce que entre las influencias de Azafata “hay algo de 80s, pero también hay mucho 70s, en el espíritu del rock valvular , de la balada bowie como “estrellas”, del riff de “suena total”…. y por supuesto mucho 90’s que es la década que vivimos plenamente por nuestras edades. Desde Guns ‘n Roses hasta Blur. De acá, los Kuryaki, los ‘90 de Soda… Babasónicos cuando saca Jessico no me marca solo a mí; marca un precedente importantísimo en la línea del tiempo del rock nacional. Vuelve a patear la puerta que cerró Soda Stereo, tanto para los oídos argentinos que buscaban algo diferente, como para toda latinoamérica, y que la música argentina vuelva a decir presente en el podio del pop-rock.”

Y el hablar de los referentes “argentos”, lleva a la pregunta, tan molesta como inevitable.

¿Les jode el paralelo con Miranda!?

No. esta bien, es algo lógico para una banda nueva la gente necesita una asociación rápida… Ale sergi me parece un artista increíble, con una grandeza y una humildad enorme, de última nos están comprando con un talentoso… jajaja

Pasa más por lo estilístico, tal vez… lo que decías antes, del travesti y el glam. Ellos fueron un poco pioneros en esa movida, aunque Dárgelos es más adelantado aún…

Obvio, Dárgelos entendía de ese escándalo y ese pillaje hace rato. Pero Miranda! tal vez cruzó una frontera de masividad que los Babasónicos no se permitieron (por suerte), por ejemplo ir a lo de Susana o Mirta. Y está en el saber popular de cualquier argentino. Nos ven caminando por la calle con un chupín de flores o una calza y te gritan “Miranda!” jajajaja……..ya nos causa gracia.

Bueno… para darle un final poco ortodoxo a una entrevista menos ortodoxa aún.. ¿Cómo es la vida de un rockstar un miércoles a la noche? ¿De gira o a dormir? (risas)

Jajajaja… me voy a seguir armando unos temas a la computadora…..

Última, ¿Se labura mejor de noche?

Sin lugar a dudas! Es un trabajo atípico y funciona mejor con horarios atípicos, cuando todos están durmiendo.

Bueno… me voy que me van a matar… Beso!!!

Los tiempos que dicta el mercado no necesariamente son los que tienen que seguir las bandas… El Otro Yo tardó tres años en presentar éste nuevo CD que está muy lejos ser algo “fuera de tiempo”… mantienen su esencia “espiritualmente under” y la energía que los caracteriza desde siempre pero es innegable el crecimiento de la banda. ¿Por qué ese nombre? ¿Por qué tanta presencia vocal de Fernanda? ¿por qué las tapas intercambiables? y muchas cosas mas, nos cuentan Fernanda y Ray en ésta entrevista.

Pasaron 3 años desde el lanzamiento de “Espejismos”… ¿A qué se debió que esperaron un tiempo para sacar “Fuera del tiempo”?

Ray: El tema de los tiempos de los discos no los respetamos con respecto a los estándares o exigencias normales del mercado de la música, que es un disco por año. Nosotros empezamos a componer canciones (muchas de ellas no se llegan a terminar, son sólo ideas…) y cuando sentimos la necesidad de plasmarlas en un disco, cuando las sentimos terminadas y nos parece que llegó el momento de mostrarlas, grabamos el disco. Por eso muchas veces sucede que pasa este tiempo, o a veces salen más seguidos. Todo eso depende de las ganas, sensaciones y los tiempos de las mismas bandas. Pasa con la dirección artística o el concepto artístico de cada disco: nos llevan las canciones a nosotros como músicos hacia un puerto que es incierto de alguna manera, hasta que el disco queda terminado y llevamos esas canciones al vivo. Nos gusta respetar los propios tiempos. Hacer un concepto artístico del tiempo. Con eso tiene que ver “Fuera del tiempo”, el nombre del disco.

¿Cuál es el concepto artístico central del disco?

Ray: El concepto central es fortalecer la idea de diversidad, en la cual nació el grupo. Si bien escuchamos muchísima música, tenemos nuestro corazón en lo que escuchamos desde el principio. Esa diversidad se fue fundiendo, decantando y de las influencias empezó a resultar lo que es El Otro Yo como banda, en cuanto a personalidad musical. Y en este disco lo que sucede, aparte de tener un nuevo integrante que es Gabriel Guerrisi, “El Duque”, (que viene de laburar con los Brujos y colaborar con varias bandas) se vio transformada la esencia y hay nuevos aportes y nuevos giros musicales, y todo lo que sucede cuando alguien ya está integrado desde la composición al resultado final del disco.

Otra de las cosas es la producción de Billy Anderson, un productor norteamericano de mucha experiencia y que ha trabajado con muchas bandas que nos gustan, y cerca de personalidades musicales como Kurt Cobain o Mike Patton, que son dos músicos que admiramos. Y pudimos dar con él, y en cierta manera se enamoró de la banda, y respondimos a la misma esencia del grupo, que es más que nada artesanal, natural y orgánica, más que postproducida, o “pasteurizada” o digitalizada. Y él es un productor nato, fundamentalista de esa manera de trabajar artísticamente los discos. Y bueno, fue lo que pasó en “Fuera del tiempo”, que fue muy interesante para nosotros. Dio su propia percepción, produciendo artísticamente, de la naturalidad, lo orgánico e instintivo del grupo.

¿Condiciona en algún punto en cuanto a libertad creativa o decisiones, el hecho de trabajar con alguien “externo”?

Ray: No, mirá… nosotros siempre en cierta manera co-producimos nuestros discos. Desde que componemos las canciones tenemos una dinámica de trabajo en donde vamos arreglando las canciones, trabajándolas, eligiéndolas, descubriéndolas… Generalmente, la función de un productor de El Otro Yo es unificar decisiones y mantener objetivamente, fuera de todo el proceso creativo, la dirección, hacia dónde todos queremos ir. Uno cuando elige un productor, lo conoce antes y para nosotros lo personal es muy importante. Y Billy resultó ser una persona bárbara, muy abierta, más allá de lo profesional. Lo llevamos al Triángulo, a Temperley a nuestra sala, lo llevamos a shows nuestros… digamos, hicimos toda una previa para conocerlo bien, que nos conozca, tener esa dinámica de trabajo y trabajar tranquilos. Al ser músicos los cuatro -porque producimos otras bandas, fuera de EOY- uno se hace una idea o desarrolla una idea; y en el momento de dejarse producir tiene que aceptar la última palabra del productor en pos del bien colectivo, común o del disco. Entonces uno tiene que dejar de pensar egoístamente o personalmente con respecto a ciertas situaciones, pero es lo que debe ser y nosotros pusimos esa confianza en Billy, y creo que el resultado fue muy bueno.

Fue un disco que se grabó muy rápido, él quería captar eso, no hay ediciones de ningún tipo, él trabaja con consola moviendo los potes, no usa casi el mouse… toda una manera que por ahí es shockeante, y el audio va un poco en contra de lo que la gente está acostumbrada a escuchar en la radio. Como en el caso de la batería, que generalmente son baterías re sampleadas, super editadas, el baterista toca perfecto… Él vino y me dijo, “vas a tocar sin clip, porque me encanta esa dinámica natural que tenés…” y yo casi me espanto, me desmayo de pensar en esa situación… Charlándolo un poco pudimos hacer dos tomas de cada tema, y después, él como productor tenía la libertad de elegir cuál era la que más le gustaba. Y a mí me dejó más tranquilo en algún punto. Fue una buena experiencia.

Más allá de la diferencia en cuanto al idioma, consiguieron entenderse en cuanto a lo que ambos apuntaban con el disco…

María Fernanda: Si, sobre todo en lo que tenga que ver con la música, que es un lenguaje universal, es más fácil de transmitir… lo que me pasó muy loco fue que Cristian estaba metiendo una voz en “Amor Fuego”, que es un tema lento, muy romántico. Estaba Billy arriba y se puso a cantar unos coros… y eran justo los coros que yo iba a meter, pero todavía no los tenía muy claros. Después me tocaba a mí, entonces entro a cantar y cuando salgo, me dice “Mirá, yo había pensado una melodía así…” como que había muy buena transferencia entre él y nosotros a nivel musical… y después sí, yo me divertí bastante practicando mi inglés que es bastante poquito… pero de los chicos yo soy la que más habla, así que imaginate lo que era… puedo hacerme entender bien y entiendo todo lo que me dicen, pero como jamás estudié inglés, puedo decirte “Mi ir…” o “Yo comer torta” (risas), pero bueno Billy vino bien predispuesto a la comunicación, y a ayudarme, a corregirme. Entonces yo también fui aprendiendo.

En este disco hay mucha presencia vocal tuya ¿Cómo reparten la cuestión de la voz en los temas?

María Fernanda: Mirá, básicamente, los temas que compongo yo los canto yo, los que compone Cris los canta él… también ha habido casos de temas que compuso él y me dijo “éste mejor cantalo vos”, o viceversa… Igual después, al llevarlos a la sala, se termina de arreglar entre toda la banda. Hay temas que los hemos dado vuelta por completo! El primer tema del disco, por ejemplo, era un blues de entrada, y Ray lo agarró, lo dio vuelta y le cambió completamente el ritmo. También hay cosas que aporta Gabriel Guerrisi, que trajo algunos temas, y elegimos uno que fue el que más nos gustó, le cambiamos un poquito la estructura, le pusimos una letra… es muy compartida la composición. Pero básicamente sí, lo que compongo yo lo canto yo.

Bueno, y cómo surge esta idea loca de las tapas intercambiables?

María Fernanda: (agarra el disco y empieza a mirar las tarjetas circulares) Esta es una idea de Gabriel Kauffman, que es el manager. Siempre nos gusta que tengan algún detalle especial los discos.

Ray: Él decía “El disco tiene que ser como una cápsula del tiempo”… Es un vidrio y ves adentro un montón de cosas que plasman situaciones de un presente, una temporalidad adonde vos las lleves. Creo que esa era la idea, y creo que lo del plástico el diseñador, Pablo Bisoglio, lo supo captar bien. Y después, quisimos jugar con eso de “El día fuera del tiempo” y el Calendario Maya.

María Fernanda: (con una de las tapas) Éste es el símbolo del Día Fuera del Tiempo, que en el calendario Maya es el Día de los Artistas. Se festeja con explosiones de arte… es como el día de año nuevo para ellos. Es muy interesante lo del Calendario Maya, para cada día tienen una misión espiritual, y una serie de símbolos cósmicos, como preceptos esotéricos, astronómicos y astrológicos. Muy interesantes para los que les gusta estudiar sobre distintas culturas, y además han despertado a muchos niños del autismo. Estos símbolos ayudaron mucho a curar a gente enferma. Y bueno, a nosotros nos gustó tomar un poquito de eso, pero también aportar desde otro lado… cuando me senté con Pablo, el diseñador, le dije que me gustaría que tenga algo de mandala, todo tiene formas circulares, y el contraste que tiene la belleza de la naturaleza con la autodestrucción que generamos los seres humanos, con una artística muy linda en el fotomontaje y la textura que genera el dibujo sobre la foto.

Ray: La idea era que represente las canciones.

María Fernanda: (con otra tapa) Ésta por ejemplo, es un cometa, hay un tema que se llama así. Ésta es un tornado… hay un tema que habla sobre todos los fenómenos climáticos que están azotando al planeta, causados por todos los proyectos nucleares, o el recalentamiento global, las fábricas, lo que contamina.

Bueno, en sus letras también hay un poco de eso, como el contraste entre lo lindo, lo naïf y lo rudo, lo violento…

María Fernanda: Si, es verdad, hay como un Ying Yang.

También hay algunas referencias a la web… ¿Cómo es su relación con Internet? Sobre todo cómo influye con respecto a la música…

María Fernanda: Y, yo creo que es un panorama que todavía no termina de estar bien establecido, pero creo que es inevitable… está en todas partes. A mí como consumidora de música me gusta más comprar el disco original, porque me gusta tener el arte de tapa, o ver las letras para leer, tener el disco completo. En sí, en este momento no soy muy consumidora de Internet, muy de vez en cuando chequeo los mails, y casi nada. Pero no lo veo mal, es como una herramienta y una biblioteca abierta al mundo. Pero también creo que puede generar una especie de adicción o ensimismamiento o aislamiento… Por ahí como fueron en un momento los jueguitos, no se hasta qué punto está bueno eso, porque te saca un poco del contacto con la vida real, conectarte desde la realidad con las personas.

Sin embargo, a ustedes también les permitió hacerse conocidos en lugares en un principio impensados…

Ray: A mi, que estoy por ahí más en contacto con todo lo que es informático-virtual, creo que hay una situación que es real y tiene que ver con la realidad socio-económica de cada país; nos pasaba con Billy. Nosotros, como país tercermundista, “en vías de desarrollo” o con buenas intenciones de los gobernantes, no se cómo llamarlo, tenemos necesidades de primera instancia que no están siendo cubiertas, con lo cual estamos pensando en trabajar para pagar impuestos y comer, que esa es la realidad, y esas problemáticas llevan a buscar canales alternativos en dónde conseguir arte, sea cine o música. Hay una necesidad de aliviar el alma con el arte, entonces la situación es otra con respecto a muchos países del primer mundo, donde la gente sí compra los discos y el software originales, porque trabaja con ese software y no quiere que le de problemas. En nuestro país, y en general en todo Latinoamérica, pasa que los chicos quieren escuchar música, tienen ganas de seguir descubriendo grupos y la posibilidad es Internet. Y me parece que es muy valioso. Tiene cierto costado de anarquía, o de rebeldía, donde por ahí el que no tiene la posibilidad de ir y comprar un disco, porque no tiene veinte dólares, como un chico de EEUU, puede agarrar y con un poco de picardía, disfrutar de la música y del arte. A mi me parece que eso está bueno.

A nivel de difusión, a nosotros como banda nos sirvió muchísimo, y nos sigue sirviendo, porque en Puerto Rico, en Colombia, en Venezuela o en España, hay muchísima gente que conoce al grupo y tiene ganas de verlo, quiere que el grupo vaya, y eso no se hubiera generado de otra manera, si no fuera por Internet. Era algo inimaginable. Los primeros discos ni con computadora los grabamos. No sabíamos cómo manejar una computadora. Entonces, por un lado está toda esa situación que me parece que es coherente y tiene una lógica que suceda, y me parece que el punto en la balanza es, entre no tener música, y tener música de esa manera, apoyo tener música de esa manera; estamos hablando de que un chico de clase media o un poco más abajo se pueda ir a un cíber y bajarse una canción; hay otros que ni siquiera tienen acceso a un cíber, ni en pedo.

Ahora, está el otro costado que es la parte de trabajo y esfuerzo que va implicada en la manera en que EOY gestiona sus discos; esto quiere decir que, si no compran el disco o no pagan la entrada, EOY no hace giras, no graba más discos… nos dedicamos a otra cosa. No vamos a poder generar un mes de gira con todo lo que eso conlleva, mantener el sello, producir a otras bandas, mantener una estructura, podemos dar más, y arriesgarnos como en la última gira, Interminable, a llevar escenografía, proyecciones, cosas que otras bandas que están por sobre nuestro nivel no lo hacen. Por ejemplo, a lo que es el interior no le dan toda la atención, o no se arriesgan a hacer un show de ese calibre.

En los CDs de EOY se dio un balance casi perfecto; los chicos compran, no sólo el último disco, que arrancó muy bien, sino también los de todas las épocas del grupo editados por nosotros. Nosotros sabemos lo que les cuesta, y hacemos concesiones de distinto tipo; una vuelta hicimos una tirada del disco con un póster con las letras que terminó saliendo muy barato en el puesto de merchandising, casi como comprarlo pirata. Nos acercamos lo máximo que podemos a que los chicos que siguen a la banda puedan tener el acceso a la música editada a través de nuestro sello.

¿Por dónde creen que pasa la virtud de EOY para generar fidelidad con el público? ¿Porqué incluso a la gente que ya no le cabe lo alterna sigue escuchando EOY?

Ray: Yo creo que desde donde hacemos las cosas. Tan simple como eso. Nosotros hacemos las canciones, los discos y hasta los videos desde un lugar muy simple, muy puro. Sin ningún tipo de preconceptos, ni de vergüenza, ni nada. Para mí es como la información subliminal que viaja en cada producción que hacemos; te puede gustar más el estilo o no. Pasa que la gente que no escucha ese tipo de música, pero escucha EOY viene cargada de esa emoción y esa información, porque es algo que vibramos todos, no importa a qué nos dediquemos, seas jardinero, médico o músico, tiene como una carga emotiva lo que hacés, desde un lugar real, que tiene que ver con dejar eso lo más intacto posible con respecto a la producción del disco, lo más orgánico y natural, sin tanta digitalización extrema que nos convierte en menos humanos y más máquinas. Ser puramente humanos

María Fernanda: En las letras también hay como una búsqueda espiritual, y eso es por ahí lo que más les llega a los chicos, cuando dicen “Me hacen sentir acompañado”, o “Estaba triste y me hicieron poner contento”. Hay mucha emoción y mucho corazón volcados en las letras y en la música, y eso hace que muchos chicos sean fieles.

Ustedes son pioneros de la movida alternativa, han generado un código y hasta una estética propia. ¿Cómo ven la escena hoy?

Ray: Yo creo que a EOY lo fueron caracterizando o rotulando, y nosotros siempre trabajamos para darle personalidad musical al grupo a partir justamente de la diversidad de estilos que nos caracteriza. Tratamos de decantar las influencias para no copiar ni reproducir ningún fenómeno exterior y descubrirnos nosotros, individualmente y en grupo, como músicos, ser nosotros tocando como equipo generador de arte. Y en ese punto hay gente que se identifica con nosotros justamente con esa pulsión de tratar de descubrirse uno en lo que es puramente. Lleva mucho trabajo! Porque es tratar de deshacerse de la cultura musical que tenés, que admirás y al principio reproducís porque es lo que te gusta. Nos costó mucho trabajo, y creo que esa personalidad que fuimos logrando con el tiempo es lo genuino del grupo; puede ser bueno, o malo, te puede gustar o no, pero somos nosotros. Hemos logrado esa síntesis: ser representativos de lo que somos, y llevó a que en un momento nos empiecen a poner rótulos, porque no encajábamos en ninguno: éramos Power Trío, en otra época Hardcore, Post-punk o Dark-punk…

María Fernanda: Sónicos, también…

Ray: Muchas veces sentimos desde el periodismo y de la gente también la necesidad de ubicarnos en algún lado, más cuando hace veinte años atrás no era común que una banda generara su propio estilo. Ahora es lo más normal del mundo! Vos escuchás las bandas que suenan y son fusiones de fusiones de influencias, si bien podés acercarlas a algún estilo es difícil definirlas con una sola palabra. A nosotros en esa época nos pasaba que decían “¿Qué hace EOY? ¿Hace Rock? No, ¿Hace Heavy? No…” Nosotros sentimos en ese aspecto la influencia conceptual muy fuerte de Sumo, de ser una banda donde la diversidad de gustos y de estilos florecía todo el tiempo, y el público respondía lo mismo. Pasa en EOY que en el público ves chicos con remeras de Fun people, o de Ramstein, de La Renga… al principio decíamos, “¿Cómo puede ser?, pero después nos dimos cuenta que es natural que eso suceda: yo hablo de mis bandas preferidas que son Rock&Roll o Heavy Metal; María habla de la música que ella escucha que es clásica, experimental o de vanguardia, Cristian de las bandas punk, que más le gustan, y ahora que está Gabriel, de Pink Floyd y toda la psicodelia… la gente tiene una comunión con el grupo, pero se identifica con ciertas semillas o “gérmenes” de esos estilos que están ahí, hacen contacto con eso.

Ya que nombraste a Sumo, y dado que el disco de llama “Fuera de Tiempo”… hay muchas bandas que parecía que estaban “fuera de tiempo” y ahora vuelven a juntarse. Hace poco fue Sumo, ahora Soda…. ¿Qué opinan de esta vuelta de las “viejas bandas”?

Ray: Para mí es positivo.

María Fernanda: Para la gente está buenísimo. A los fans les late el corazón hasta el cielo, esperando volver a verlos, el fenómeno y lo que genera.

Ray: Primero que son muy buenas bandas, y por algo también la gente siente la necesidad, o siguen estando a pesar de dejar de tocar… Muchos de ellos son de avanzada edad, y es un buen momento para escucharlos. Es el caso de The Police, por ejemplo. Yo nunca los vi, y me encantaría verlos en vivo. Yo veo chicos que tienen remeras de Ramones, y por la edad nunca los fueron a ver, porque son de esta nueva generación de gente que escucha Punk-rock. Está bueno para que uno y las nuevas generaciones tengan la posibilidad de ver lo que son, y sientan lo que pasaba en vivo, que es cuando se ve el alma de la banda, la esencia. Lo que son como músicos, lo que transmiten se ve en vivo. El disco, los videos y DVDs. rememoran el vivo, pero no es lo mismo.

¿Puede ser que a través de la música se genere la fantasía del mantenerse eternamente jóvenes? ¿Ustedes buscan de alguna manera transmitir eso?

María Fernanda: No, no creo que sea ese nuestro mensaje. Sí, el preservarse ante todas las cosas, contra todo lo que tenga que ver con el reviente y la autodestrucción. Yo personalmente no adhiero a la generación de las cirugías estéticas o de “pendeviejos”. Sí de mantener el espíritu y la cabeza lo más puro y sano posible, tratar de no corromperse con el tiempo, o convertirse en un “ángel caído”. La edad pasa y el tiempo pasa para todos. Yo, por ejemplo, tengo como ejemplo a mi abuela, que tiene un montón de años y tiene un alma re pura, re linda, como muchas de las personas mayores. Como que cada vez hay menos, te dan cuenta como han preservado su mundo interior, su eje y su alma

Sí, me refería no tanto a lo estético sino mas bien al espíritu. Es como que nuestra generación hoy se aferra al no querer crecer…

Ray: Si, no es crecer, es como una nueva religión que gira en torno a la belleza efímera, la belleza física. Y es tan confuso el tema, tan engañoso para la mente que resulta contradictorio. Uno siempre busca lo bello, porque atrae. Uno siempre quiere comer algo que sea rico. Pero de ahí a generar todo lo que está pasando que es una carrera desenfrenada por mantenerse físicamente joven, no importa mentalmente… mentalmente podés estar quemada, como está la mayoría que se hace ese tipo de tratamientos tan nocivos…

María Fernanda: Hay una sobrevaloración de la belleza, pasa para el lado grotesco ya. Creo que hay arrugas que son re valiosas, como las arrugas de reírse mucho, o de pasarse noches enteras estudiando, quemándose las pestañas por algo que a uno le gusta, o de cansancio de una enfermera que está todo el día cuidando enfermos; o de una maestra que está con los pelos de punta atendiendo a treinta nenes y dándoles el amor y la contención cada día… ¡Y esas arrugas son hermosas! Solamente los pueblos que son ignorantes pueden tomar a la vejez como algo negativo.

Después sí, obviamente que a cada uno y a la mujer sobre todo le gusta embellecerse y ser coqueta, y eso es lindísimo, porque es algo propio de la mujer que es como parte del arte, como que embellece el entorno y el planeta. Pero de ahí a tener una obsesión…

Vos como mujer, ¿Cómo tomás el hecho de ser imitada por miles de chicas que quieren tu look?

María Fernanda: Yo lo que siento es que, más que ser imitada puedo llegar a ser en algún punto como un disparador de inspiración porque muchas veces yo veo chicas que tienen una forma de vestirse, de peinarse o de arreglarse que yo jamás me pondría, y que quizás fueron inspiradas en alguna letra o que vieron algo en mí que les pareció y que yo la veo super artística. Por ejemplo, cuando yo hice una muestra de cuadros en Sonoridad Amarilla vinieron unas chicas hermosas, todas con unas combinaciones… hasta la ropa se las hacen ellas muchas veces, y cosas que por ahí a mí ni se me ocurrirían… No se, ¡Yo jamás me llené la cabeza de hebillitas! O de collares… lo único que uso es un anillo, una muñequera y nada más. Me encanta pensar que puedo servir de disparador de inspiración, algo así como una musa, porque a mí justamente la música que más me gusta es ésa, la que me genera ganas de ponerme a pintar, o de escribir una canción, o de ponerte una ropa linda y salir a caminar… disfrutar las pequeñas cosas de la vida.

¿Alguna vez se imaginaron llegar hasta donde están?

María Fernanda: Nosotros cuando éramos niños creo que todos teníamos ese sueño en común de poder hacer música siempre, no tener que dejarla nunca, y trabajar en pos de la música. Y ese fue un sueño que hoy en día se puede decir que a través de los años se fue cumpliendo, porque ya el año que viene vamos a cumplir veinte años como grupo. Pero fueron muchas cosas las que nos fueron pasando y jamás nos habíamos imaginado, aparte de este sueño de poder estar en el camino de la música; como por ejemplo, cuando viajamos a los EEUU, o a otros países, o a recorrer toda la Argentina tocando, irnos a vivir juntos, grabar un montón de discos… y seguir dándole duro, haciendo notas y todo lo que hay que hacer para llevar adelante una banda de rock.

Pese a haber crecido tanto, como decís, y a lograr proyección internacional y una carrera ya consolidada, siguen manteniendo cierta esencia Under. ¿Por dónde pasa para Uds. el “ser under” hoy?

Ray: Yo creo que somos espiritualmente under, en el buen sentido del rock. Al momento de crear, o componer, hasta de tocar nos conectamos con nuestro “otro yo”, nuestra esencia artística pura, pero después, abajo del escenario tenemos un acercamiento y un trato con los seguidores que no es el habitual para una banda y que ha generado tal vez esta fidelidad de la que hablaban ustedes, ese acceso a hablar con el músico, no como alguien inalcanzable que está en la estratósfera, sino como un pibe común que genera un montón de cosas y es artista. Pero podés tener acceso, hablar y compartir, por ahí vos también sos artista pero por esas circunstancias uno está tocando y el otro escuchando.

María Fernanda: Y gran parte del público son artistas en potencia. Escritores, o pintores… siempre nos acercan obras propias, cuentos, trabajos literarios… hay chicos que estudian periodismo y hacen la tesis con nosotros. Son un público con muchas ganas y mucha potencia en su chispa divina personal. Eso es lo que yo percibo del público.

Para cerrar… Cuenten un poco cómo viene la gira.

Ray: Y ahora estamos arrancando las primeras fechas… ya empezamos a tocar canciones de este nuevo disco. El 6 de julio tocamos en La Plata, y entre medio estamos terminando de preparar todos los temas del disco, que son bastantes. La idea es ir sumando a medida que el disco esté en la calle y los chicos lo vayan conociendo más. En este primer show tocamos temas que son fijos de EOY, y rescatamos temas viejos que nos venían pidiendo como “Bajo la guerra”, “Llévame” o “Tiburón”, y sumándole todos estos de “Fuera de Tiempo”. Entonces es como renovar el show, desde la nueva formación con Gabriel, tocando el disco que él compuso también que es algo importante. Terminamos el video de “Almas Gemelas”, y vamos a arrancar la quinta edición de la Gira Interminable, superando el récord de la gira anterior que era 32 shows, y que cuando hicimos esa nos enteramos a través de los medios que rompimos un récord, sin querer porque no nos lo planteamos nunca. Ahora son 42 shows en 60 días. Nos gusta mucho salir de gira, viajar y tocar para nosotros, es lo más. Y bueno, vamos a hacer Argentina, Latinoamérica y posiblemente por primera vez Europa, si se dan las condiciones, vamos a ir para allá!

Ninguna de las 200 mil personas que coparon el predio montando en Pampa y Figueroa Alcorta imaginaron que iban a ser testigos de ese encuentro. Tras una semana en que los rumores sobre la potencial vuelta de Soda habían adquirido un protagonismo casi molesto, muchas eran las hipótesis que rondaban en torno al recital de Cerati, programado para este sábado, como cierre del ciclo Verano ‘07. Sin embargo, para la inmensa multitud tal vez era más esperable ver a los tres Soda juntos otra vez, que la inesperada postal que la noche les entregó.

La iniciativa del Gobierno de la Ciudad tuvo su broche de oro con convocatoria récord y una performance de Cerati que presentaría “algunas sorpresas” (tal como se anunciara durante la previa) respecto de sus últimos shows; aunque la más relevante sin dudas, fue la presencia de Luis Alberto Spinetta, que se sumó para tocar “Te para tres” y “Bajan”, ante la ovación generalizada.

Además de los temas de “Ahí vamos”, lei motiv de su gira, Cerati se permitió desempolvar “Avenida Alcorta”, de su primer placa solista, “Amor Amarillo”, “Juegos de Seducción” y “Nuestra Fe”, tesoro oculto de Soda Stereo, que reavivó el “Olé, Ole, Olé… Soda… Soda…”, presente cada vez con más fuerza.

Los primeros acordes de “Crimen” inauguraban los bises, con el escenario completamente despojado de luces. “Prendan, che, que estamos a oscuras…” arengaba Cerati, o su silueta, que apenas podía divisarse en medio del negro. Inmediatamente, miles de lucecitas se encendieron desde el público. Accediendo al pedido, pantallas de celulares y llamas de encendedores convivieron por un rato, fiel reflejo del cruce de generaciones que se daba en el público.

Nenes en brazos se mezclaban entre la mayoría adolescente; algún abuelo con onda convivía con un stone que gritaba “ahh… te acordaste h.. de p..”, cuando Cerati hacía rugir las guitarras junto a Coleman en “Prófugos”.

“Puente” y “Jugo de Luna” coronaron el set, poniéndole punto final a una noche con reminiscencias inevitables de aquel megarrecital de Soda en la 9 de Julio, el 14 de diciembre del ‘91. De hecho en principio se había barajado la posibilidad de hacerlo ahí, pero Cerati prefirió evitar comparaciones… aunque la mecha está encendida, y la fantasía, tal vez, más latente que nunca.

Por lo pronto, si bien resulta prematuro colgarle la etiqueta de “encuentro del año” -sobre todo por el hecho de que éste recién empieza- la cumbre Cerati-Spinetta quedó plasmada como uno de los momentos más altos del festival, sin dudas, y de este 2007, además de un regalo inesperado para todo el que tuvo la suerte de presenciarlo.

Muchas veces pasa que, por alguna razón, un recital queda atrapado en la memoria. Una buena performance sonora, una aparición insólita o una anécdota memorable son algunos de los elementos que hacen de ése, un momento digno de recuerdo. Sin embargo, son muy pocas las veces en que todos esos, y otros factores se combinan en perfecta sinergía, haciendo que ese momento no sólo quede guardado en la memoria, sino más bien marcado a fuego.

La llegada de Cabezones a Obras estaba cargada de expectativas; a la emoción lógica del debut, se sumaba la vuelta de su líder, César Andino, recuperado del accidente automovilístico que lo encontró como acompañante de Gabriel Ruiz Díaz. Tras nueve meses de forzoso receso y operaciones sucesivas, el regreso hacía prever que se trataría, sin dudas, de una noche cargada de sentido.

Relampagueaba en el cielo porteño; pero la descarga eléctrica real llegó cerca de las 9:30, y puertas adentro del estadio, cuando Cabezones salía a escena con los primeros acordes de “Vertiente”. “Bienvenidos, hermosos”, fue el grito arengador en medio de un segmento inicial muy arriba que siguió, en clave power metal, con “Cada secreto” y “Planear”. Pero “Bienvenidos” -lei motiv del encuentro- venía pidiendo pista, y por fin asomó sus narices con “Mírame”, seguido de “Inmóvil” y el primer estallido generalizado.

La puesta, bien lograda, no dejó ningún detalle librado al azar; juegos de luces en contraste con el fondo blanco y negro. Batería y teclados elevados; abajo, voces y cuerdas. César Andino (apuntalado por un bastón con mango de calavera) se sostuvo de pie durante el primer tramo del show, haciendo gala de una voz inoxidable. Todo parecía funcionar con precisión, excepto una sola cosa que escapaba al alcance de cualquiera: el calor, que con el estadio a pleno, rozaba el límite con lo infernal.

El ensamble de “El vientre” con “Triste” (Carajo), sería lo primero que la lista iba a ofrecer en materia de mash-ups. Pero no el único: acto seguido, “Mi camino es ningún lugar” -regalo para viejos fanáticos-, deslizó sobre el final un par de estrofas de “Aladelta”. Nadie suponía, claro, que aquello era un presagio de lo que estaba por venir.

Ricardo Mollo, uno de los destinatarios de los agradecimientos varios en boca de César, apareció en el escenario enarbolando su Fender para sumarle un poco de ruido a “Lejos es no estar”. Sorpresa generalizada y ovación, de más está decirlo. El momento lo ameritaba: Pichu, Mollo, Martínez y Aput enfrentados, derrapando sobre las cuerdas, y rodeando a un Andino más enérgico que nunca que terminado el tema, estampó su bastón contra el piso. Catarsis, que le dicen.

Luego del shock, promediando la primera hora de show, el desgaste se hizo sentir. Un asistente alcanzó un sillón al centro de la escena para César, que siguió cantando sentado, y las revoluciones bajaron un poco dando paso al repertorio más melódico de Cabezones.

“César, parecés El Padrino”, gritaba alguna fanática, trepada a la valla. El frontman, bastón en mano y vestido de negro, sonrió ante la ocurrencia, y arengó: “Bueno, ahora a saltar por mí!”. Factor emotivo al margen, sobraban motivos para hacer de esa noche una fiesta. Y claro está, de eso se trató.

Las dos horas que duró el recital encontraron varios puntos altos: una versión muy al palo de “Hombre paranóico”, o “Lullaby”, el cover de The Cure; “Puedes dejarme solo” (adoptado del legado Stereo), y un medley que acopló “Mi pequeña infinidad” con “Where the streets have no name”, derivando en “Opus 1″. El tema de Catupecu -interpretado y compuesto por Gabriel Ruiz Díaz- fue coreado al unísono por las cuatro mil personas que coparon Obras, estallando finalmente en un “Olé, Olé Olé, Gaby…”.

“Ustedes quieren quilombo… ¿No les parece demasiado que ya estemos acá arriba?”, bromeó Andino, cuando todavía faltaba una segunda aparición, no tan inesperada en este caso. Bajo la etiqueta de “uno de los monstruos más grandes del rock nacional”, se hizo presente Fernando Ruiz Díaz quien, luego de fundirse en un abrazo con César -“un luchador”, según sus palabras- puso su voz a una trepidante versión de “Silencia”, ensamblada con algunos versos de “Eso Vive”.

Gracias por doquier; besos y flores -literalmente-, y la invitación a los Catupecu faltantes a sumarse al escenario para “Pasajero en extinción”, devenido en una especie de emblema del feedback entre ambas bandas. Ahí estaban todos. El monstruo. El luchador. Y Macabre, Herlein y Zeta, padrino artístico de los santafesinos. Catupecu y Cabezones a pleno, en la cúspide del show.

Se perfilaba el final, pero la noche todavía reservaba un highlight; “Bienvenidos”, en las bateas desde agosto, se convirtió en DVD de oro, y Fernando Ruiz Díaz irrumpió nuevamente en el escenario para entregarles las placas a los padres de la criatura, que llegada esta instancia, se vieron desbordados por la emoción.

Cuando los últimos acordes de “Irte” ponían punto final al set, y las puertas de Obras se preparaban para el éxodo masivo, el cielo finalmente descargó su furia sobre Buenos Aires; el diluvio resultó un antídoto inestimable para los cientos de fanáticos que salían de un estadio a punto de ebullición.

“Bienvenidos, a los nuevos y a los de siempre; a lo bueno, y a lo malo también”. La frase, en boca de César Andino, sintetizó el concepto de su flamante -y ahora, dorado trabajo-, del show y del presente de la banda en general. Tras 12 años de camino recorrido y superados los tiempos de mayor incertidumbre, Cabezones sigue sosteniendo que lo mejor siempre está por venir.

Estallan los primeros acordes de “Falsario”; pero todavía no se los ve, semi-ocultos detrás de la cortina blanca. Las luces intermitentes dibujan las siluetas, que aparecen y desaparecen. Asoma un brazo, una pierna, medio cuerpo y la euforia se desata. El rectángulo que los rodea finalmente se eleva y los deja al descubierto. Está claro, estos chicos son expertos en materia de desencadenar el éxtasis.

Babasónicos despidió el año en un desbordante Luna Park, en el marco de una puesta en escena realmente soberbia; destellos de ilusionismo retro, producto de sincronizados juegos de luces y una buena performance sonora, reafirmaron, a lo largo del show la exhuberancia que los caracteriza… y sin embargo, nunca deja de sorprender.

“Estoy a punto de derretirme… pero no voy a parar”, desafiaba Dárgelos. La temperatura era infernal en Buenos Aires, y adentro del estadio iba in crescendo. Pero nada, ni el calor inhibió al frontman de chaleco plateado y actitud irreverente, que cada vez que sale, devora el escenario. Seduce a los flashes; coquetea con el público desde la pasarela; menea la cintura, mientras se pasea de un lado al otro. Y dice: “Ser así no cuesta nada… pero da mucho calor”.

Con Carca en el bajo, y sin mayores rarezas, el set sobrevoló “Anoche”, haciendo algunas paradas estratégicas en “Infame” y “Jessico”. “Calmado, matamos al venado” apareció, promediando la noche, como el recuerdo dedicado a las huestes sónicas de la primera época. “Desfachatados” fue la otra perla fuera de lo habitual y seguido de “Luces” y “Sin mi diablo”, encabezó el tándem de mayor potencia sonora.

Acústicos o eléctricos, en un ciclotímico vaivén entre rave y distorsión, lo visual y lo auditivo confluyeron durante la hora y media que duró el show, generando una experiencia sensorial casi lisérgica. Un show que, cerrando con “Fizz” -Dárgelos dixit- “se escurrió como agua entre las manos”.

Recién llegados de una exitosa gira por México que confirma su proyección más allá del mainstream local, y en plena presentación de su flamante DVD “Luces”, la crew babasónica, pionera en la fusión del rock and glam, sigue reafirmando su condición de amos y señores del género.

Uno, El Cantante por excelencia; el “Poeta de la Zurda” que porta el don de las letras bonitas. Su socio, dueño de una plaza entre los mejores violeros hispanos, dueño de la magia en la yema de los dedos, otra vez en suelo argento.

A diez años de disuelto su proyecto conjunto, los dos Rodríguez volvieron al ruedo con una gira denominada ídem, que comenzó este año en la Península Ibérica y tiene destino final en el interior del país, pero hizo escala en Bs. As. para ofrecer dos fechas anunciadas como el Bonus track del Pepsi Music.

La espera se prolongó: poco más de dos meses separaron a la Maratón del Rock de su cierre definitivo. Nuevamente, el Club Ciudad de Buenos Aires, abrió sus puertas desde temprano para recibir una convocatoria récord: más de 25 mil personas que coparon el predio para presenciar el reencuentro de la dupla Calamaro-Rot.

Inevitable la sensación de tiempo detenido: todo (o casi todo) parecía seguir en su lugar, excepto por algunos detalles; esta vuelta no hubo abrigos (más de 30 grados acusaba el termómetro) ni corridas de un escenario a otro: la acción estaba concentrada pura y exclusivamente en el principal, de este estadio “que todavía no sabemos bien cómo se llama” (palabras de El Salmón), pero viene perfilándose, dada la magnitud de los eventos que albergó este año, como un nuevo templo del rock.

“Canal 69″ fue el elegido para encender la mecha de la explosión generalizada, apenas pasadas las nueve de la noche. Pero de ahí en más, ¿cómo destacar uno o dos puntos fuertes dentro de un set que prácticamente no dio respiro?

La avalancha implacable de éxitos repasó quince años de historia: “Dulce Condena”, “Mi enfermedad” o la “Milonga del Marinero y el capitán” fueron sólo algunos de los clásicos incluidos y ovacionados por todos: testigos directos de la Era Rodríguez, mezclados con el público Made In El Regreso, que acompañaron igualmente las letras, ya trascendidas a la categoría de hito popular.

Similar a los anteriores recitales de la gira, la lista inclinó la balanza a favor de Calamaro, quien cebando mate entre tema y tema, se mostró relajado y en constante agradecimiento. Aunque sin tanta verborragia creativa en esta ocasión, pero fiel a su estilo, ironizó: “Gracias Arjona que nos miras desde el cielo… por permitir que estemos todos reunidos acá”.

Ariel Rot también tuvo su espacio para lucir parte de su repertorio solista: “El Mundo de Ayer”, “Ahora Piden tu cabeza” y “Baile de ilusiones” encontraron una calurosa recepción entre la gente.

Ambos estuvieron escoltados por un cuarteto de lujo: “El Niño” Bruno en batería, Candy Avelló (bajista de la primera formación de Los Rodríguez), Osvaldo Greco en guitarra y Tito Dávila en teclados.

Como músico invitado se hizo presente el ex -Gatos Salvajes Ciro Fogliatta, tomando el mando de las teclas cuando Andrés, inquieto, pasó del micrófono en “Me arde”, a la guitarra sin escalas, aunque un tanto reacio a exhibir su virtuosismo sobre las cuerdas, gambeteó rápidamente el momento del solo. “Que buen shuffle tiene El Niño”, improvisó en clave blusera, desviando la atención hacia los platos.

Podría decirse, sí, que faltaron algunos “infaltables”. Pero que nada de lo que hubo estuvo de más. La lista se permitió hacer resurgir “Elvis está Vivo” y dedicó un medley en homenaje a Edelmiro Molinari “y los grandes fundadores del rock nacional”, que incluyó “Mañana por la noche” (Color Humano), “Tengo cuarenta millones” (Moris) y el “Boogie de Claudio”, aquel clásico de Gabis que decía “yo quiero abrirme los sesos…”

Promediando la noche, “Corazón en venta”, primer corte de “El palacio de las Flores” (placa más reciente de Calamaro, producida Junto a Litto Nebbia), fue el único estreno que deslizó AC, dejando pie a una futura presentación oficial. Y después sí, el tramo final -y letal- del show; atiéndase la seguidilla que desencadenó el éxtasis: “Flaca” - “Te Quiero Igual” - “Para No olvidar”. Un poco de rock al palo con “Días distintos”; miles de lucecitas iluminando el estadio en “Tu me estás atrapando otra vez” y otra vez pogo y descontrol para ¿terminar? con “Sin documentos”.

El impasse que antecedió al bis estuvo marcado por el karaoke espontáneo de 30 mil gargantas -y gargantitas- entonando los versos de “Paloma”, que no descansó hasta no ver a la dupla nuevamente en escena. Y después del rescate emotivo con “Buena suerte” y el delirio desatado con “Mucho mejor” (nunca más apto, dado el calor que envolvía la atmósfera porteña), llegó el tan esperado -y pedido- final.

La cumbre Calamaro-Rot quedará sin dudas como uno de los highlights del festival y del año 2006, con un Calamaro renovado, cantando mejor que nunca. Ni más ni menos, a la altura de las circunstancias.

Y es que el carácter de megaevento, lei motiv del Festival, si bien para algunos significa una batalla perdida contra la industria (dada la esencia netamente anti-comercial del rock) también supo convertirse en garantía de buenos espectáculos, dando como resultado performances impecables en cuanto a horarios, organización y principalmente, lucidez y rendimiento de los artistas.

Y desde ya, quien en otros tiempos fuera el rockstar rebelde que predicaba “No se puede vivir del amor” hoy, en su renovada faceta de hombre en plenitud, no podía ser la excepción.

Terminando un año destacado en su historial (un homenaje en formato doble; más un disco de tangos titulado “Tinta Roja”, y su flamante estreno “El Palacio de las flores”) es el segundo año consecutivo El Salmón cierra en lo alto, despidiéndose -tal como en el Obras al aire libre- con clima de diciembre porteño, de verano y de fiesta.

Noche de viernes y un agradable calor en Buenos Aires invitaba a quedarse un rato más en la puerta. La cita era a la medianoche y La Trastienda, esta vuelta, el lugar señalado por Estelares, que sigue girando con la presentación de su más reciente trabajo, “Sistema Nervioso Central”.

La banda “mitad Junín-mitad La Plata”, según definió Manuel Moretti, líder y mentor de Estelares, atraviesa un vertiginoso presente en medio del tardío pero merecido reconocimiento que arribó de la mano de “Sistema…”, cuarto trabajo discográfico que finalmente los catapultó al mercado masivo, otorgándoles el esperado despegue después de más de una década de trayectoria under.

Despojada de las clásicas mesitas, La Trastienda parecía haberse vestido un poco más de rock, sin abandonar, claro, el clima chill out que suele impregnar el ambiente. El reloj marcaba las 0:30 y la sala, minutos antes vacía, se preparaba para abrir la previa de la mano de Cursi, al tiempo que la gente iba entrando. El grupo oriundo de Montevideo, liderado por Fabián Kurt, desplegó en un set de media hora un breve paneo por su recién nacido “Delivery”, dentro del cual se destacó el primer corte del disco, “No te peines”, de base rockera con interesantes destellos funk.

El telón se cerró y los uruguayos cedieron la posta a Estelares, que aparecieron en escena alrededor de la 1 AM y tuvo un arranque algo accidentado. Apenas abrieron con las primeras notas de “Las vías del tren”, un desperfecto técnico obligó a cerrar el telón, postergando unos minutos más el comienzo del show. Solucionado el asunto, y ante el aplauso del público, Manuel Moretti y su trouppe -esta vez sí- arremetieron con su música. “Como todo en esta banda, lo bueno se hace esperar”, senteció el frontman.

El cuarteto, que se completa con Víctor Bertamonti en guitarra, “Pali” Silveyra en bajo y Carlos Sánchez tras los parches, sumó como músicos invitados a Sebastián Escofet y Mariano Martínez, tecladista de a77aque, ambos presentes en la grabación de “SNC”.

El show fue levantando temperatura con el correr de los temas. Exceptuando el imprevisto inicial, un audio casi impecable los acompañó a lo largo de las dos horas de recital, en las que además del pequeño tributo a Virus, con la versión de “Luna de Miel en la Mano”, fluyeron en un constante ida y vuelta novedades (la balada “Ella dijo”, o la historia de una groopie enmarcada en la melodía de “Un show”) y recuerdos, entre los cuales sonaron “Moneda corriente”, “Bienvenida”, “El corazón sobre todo”, “Oscarcito de la Hoya” y “20 de Noviembre”. Cócktail variado que evidenció el quiebre producido a partir del último disco, alejado de la impronta netamente tanguera que caracterizó el sonido Estelar de los comienzos.

La fórmula estelar equilibra actitud rockera y guitarras con melodías atrapantes y una estructura simple para letras que portan sello de autor. Manuel Moretti supo hacer del desamor un lei motiv, encontrando la belleza en lo cotidianamente triste y volcando en sus temas una mezcla de catarsis y autobiografía.

El hit se hizo desear, pero dijo presente en el cierre: “Aire” desató la locura, coronado con “Ardimos”, tema que dio título a su placa anterior y vio la luz después de permanecer inédito durante dos décadas, para cerrar “SNC”. Así, cerca de las 3 AM, el show llegó a su fin.

Considerar éste momento como el Año Cero de la banda equivale tal vez a desmerecer los valiosos años del Under. Lo que es innegable es que la “explosión estelar” los llevó a experimentar un novedoso alcance, paso previo para un futuro prometedor. Tal vez por eso, aprovechando el buen momento, Manu anunció que están pronto reeditarán sus dos discos anteriores, reafirmando que el aval de su historia también cuenta en el presente exitoso de Estelares que ardieron, una vez más.

De contextura diminuta, pero gigante arriba del escenario, Carina Alfie se presentó en el Estadio Pepsi como antesala del show de Rata Blanca. La talentosa guitarrista habló del show, de sus proyectos, y de su intenso amor por la música instrumental… a tal punto que se disculpa: “¡Pobres los cantantes, me van a matar!”.

¿Cómo viviste el show? Como bien decías, no es fácil llegar a un festival como este.

Carina Alfie: Una alegría total, me sentí feliz, re cómoda tocando. Aparte la gente bien, no se da todos los días, entonces tenés que aprovechar y disfrutarlo. Todo lo previo, los pormenores nadie los sabe. Pero por eso, cuando llegás ahí arriba o tenés que disfrutar. Espero que se repita sobre todo porque me costó mucho llegar.

Transmitís mucha paz arriba del escenario.

CA: Me sentí así, muy contenta y disfrutando de la música porque es lo que me gusta hacer.

Tocaste temas del disco nuevo, que recién lo traes de Los Ángeles.

CA: Claro, que todavía no está editado. Pero estrené dos temas nuevos de “Electric Fuzz”: “Hadas” y “Guardian angel”, y después tengo dos temas cantados con Mónica Rodríguez de “Intuición”, que es del anterior, mezclados con “Transmission”. Ya vamos por el sexto disco… asi que nos dimos una buena recorrida.

¿Mónica canta con Lunáticas, tu banda?

CA: No, es invitada mía. La banda quedó solista, yo hago instrumental. “Intuición” tiene temas cantados y por eso la invité a ella. Aparte me gusta que haya temas cantados, y en un show de Rata queda mejor.

¿Y en el nuevo?

CA: En este nuevo hay un sólo tema cantado con músicos de allá, que invité. Hay uno onda Dido que se llama Jeff Beck, que se canta todo!

¿Por qué decidiste volcarte a la vertiente instrumental?

CA: Porque es lo que me gusta, lo que siento hacer. Pero trato de abrirme y seguir haciendo temas cantados también. Me gusta componer, sea música o lo que sea. Pero bueno, lo que a mí más me gusta es tocar la guitarra. Entonces trabajo más tipo Joe Satriani, Steve Vai… se estilo.

¿Por qué crees que acá no se desarrolló tanto esa faceta del rock? En Europa o USA es mucho más común…

CA: Claro, es mucho más común. Hay miles de guitarristas que no tienen una voz, y la voz es la guitarra, fijate Joe Satriani. Y está bárbaro. Por ahí se da un poco más en Europa, pero yo creo que todo llega. Son generaciones, son momentos… Y es bueno que el heavy vuelva. No solo acá, sino afuera, en EEUU está bueno que haya más exponentes, como para que la gente quiera escuchar ese estilo.

Sos una de las pocas mujeres que hay dentro del ambiente del Heavy Metal local ¿Cómo te sentís con respecto a eso?

CA: Y acá hay muy pocas. Me siento feliz, por un lado. A mi me costó, y me sigue costando, pero por ahí esto abre las puertas a otras mujeres, para que se animen. Si, aguante las que se atreven. Yo estoy armando una banda de mujeres y te puedo asegurar que la baterista se toca todo, la bajista también. Y mi cantante, Mónica Rodríguez. O sea, mujeres hay. Y yo creo que el amor a la música te lleva a cualquier lado. No importa lo que pase, hay que seguir luchando si a vos te gusta lo que hacés.

Siendo un mundo predominantemente masculino… ¿percibís buena onda?

CA: Yo creo que sí, no hay que darle tanta bolilla a lo que dicen. Yo me dedico mucho a ésto, es decir… no es que voy a la peluquería y salgo a tocar. Practico para no pifiarle, pero de repente me interesa más tocar con sentimiento que con técnica. Y unir la técnica al sentimiento requiere mucho laburo, y yo creo que los músicos y la gente ven eso. Cuando sos sincera y estás contenta con lo que estás haciendo no te pueden criticar. A lo sumo, te dirán me gusta lo que hace esta mina o no me gusta.

¿Cómo es la experiencia de estar trabajando con el que alguna vez fue tu ídolo, como es Stevie Vai?

CA: Es lo más… en los estudios usé los equipos Carvey, Legacy de él, los pedales… No por lo material, sino por la magia que hay en ese lugar, el sentimiento. Estoy agradecida de que estos músicos que son grandes maestros reconozcan y ayuden. Porque vos te podés tocar todo, podés seguir tu camino, pero si alguien no te da un empujoncito… A ellos también le pasó, qué se yo… en algún momento me tenía que pasar a mi.

¿Podés recordar la anécdota de cómo llegaste a conocerlo?

CA: Fue en el ‘97, me invitaron a la conferencia de prensa y le llevé la guitarra para que la firme. En ese momento yo no tenía disco, tenía demo. Y un tipo de prensa le dijo que yo tocaba, me mandó al frente. Jorge, hay que hacerle un monumento. Yo me quedé helada, el chabón dijo: “Puede venir a la prueba de sonido, que yo le firmo la guitarra y de paso la invito a tocar”. O sea, fue una invitación de él, yo jamás me iba a imaginar eso, ni a palos… y bueno, me invitó, y zapé, y estuvo todo bárbaro… qué te puedo decir, fue alucinante. Una mezcla de nervios con emoción. Sonó todo re lindo… aparte el tipo inmenso, pero inspira mucha paz y mucha esperanza. Me dio muy buena energía y aprendí mucho de él, a nivel humano sobre todo.

¿Tenés algún referente femenino?

CA: De afuera, Jennifer Batten, la guitarrista de Michael Jackson, que es re grosa. Y de acá María Gabriela Epumer, que en paz descanse. La respeto mucho, tiene una gran música.

¿Próximos pasos a seguir?

CA: Terminar el disco, y después tocar, tengo fechas en el interior. Y voy a dar unas clínicas auspiciadas por Carvey, estoy re contenta porque después de años esperando estoy sponsoreada por ellos, y me dieron una guitarra. Hoy no la pelé porque no hubo tiempo, pero tengo una Carvey… así que va a haber laburo. Y cuando Rata me invite, ahí estoy también.

Cuentan que Crazy Mama se formó allá por el 2003. Juani tocaba en una banda que se llamaba Aladelta con Diego, Lucho y Gaby, pero en el 2001 se separaron y cada uno siguió por su lado. “Al año siguiente conocí a Juampi por medio de un amigo en común que sabia que yo tocaba y nos gustaba la misma música. Nos presentó y nos empezamos a juntar para tocar. Asi empezaron a salir algunos temas propios.” -dice Juani. “Le dije a Juampi que tenia un amigo que tocaba la guitarra y enganchaba perfecto con lo que veníamos haciendo. Así entro Lucho. Durante un tiempo seguimos así, pero se hacía muy grande la necesidad de tocar los temas eléctricos. Entonces invitamos a Diego y Gaby (ex Aladelta) y bueno… hubo tanta química en ese primer ensayo que decidimos quedarnos así.”

Cuentan también, que aunque su nombre lleva tatuada la impronta de sus majestades satánicas, no pueden encasillarse como una típica banda Stone. “Partiendo de los pioneros como Chuck Berry nuestras influencias llegan a extremos tan variados como los White Stripes, Radiohead, Joaquin Sabina, hasta Jack Jonson o Bob Marley, pasando por todo lo que pueda llegar a nuestras manos en el plano musical.”

Crazy Mama busca desmitificar lugares comunes: ni rock marginal, ni “careta”. El rock no es patrimonio exclusivo de ningún lado… pero el Norte también existe. Y su propuesta quedó demostrada de manera contundente tras su más reciente show.

La banda de San Fernando, que tiene dos recitales en El Marquee, y un Mitos Argentinos en su haber, se presentó junto a Catalina y Fideos con Manteca en Diabliyo (Olivos) ante más de cien personas.

“¿Cómo lo vivimos? Fue un buen show, muy lindo lugar y un gran sonido, hacía un tiempo no tocábamos, así que había muchas ganas y creo que de todo eso salió un buen recital. Siempre disfrutamos tocando juntos.”, cuenta Juampi, encargado de ponerle voz a la banda.

Durante poco más de una hora a puro rock, Crazy Mama regaló a los presentes un pasaje a bordo de sus temas más conocidos, como “Quiero más” o “El hombre del andén”, además de las versiones con sello propio de “You got me rocking” y “Hard to Handle”. La novedad tuvo lugar con “Igual que ayer”, indicio de una pronta vuelta a los estudios.

“Temas nuevos hay todo el tiempo, siempre estamos componiendo y planeamos en los próximos meses grabar todas estas canciones en una especie de segundo demo”, dice Lucho. Por otro lado existe gran expectativa respecto de las fechas que tienen programadas; el próximo show es el 8 de septiembre en CBGB y el fin de semana siguiente vuelven a presentarse en Diabliyo junto a Motor Loco.

Después de verlos arriba del escenario despidiéndose de su público con “Cuesta Vivir”, elegido por ellos como “el tema de la gente”, está claro que disfrutan lo que están haciendo. Y que experimentaron un notorio crecimiento a nivel banda, pero que todavía van por mucho más.

¿Quiénes son estos chicos?

- ¿Cómo definen el estilo de Rock de Crazy Mama?

El estilo está bastante definido, somos una banda netamente de rock pero tratamos de no aferrarnos al concepto clásico de banda rockera que termina agotándose en el estilo que creó Chuck Berry. Nos permitimos explorar otros sonidos y nos resulta bastante natural por la amplitud de las influencias que tiene cada uno de nosotros.

- ¿Cómo vivieron el debut en estudio?

La grabación del demo fue una muy buena experiencia porque era la primera, aprendimos muchas cosas y también cometimos algunos errores como suele pasar cuando no se tiene la experiencia suficiente. Pero fue totalmente positivo, además de que la pasamos muy bien como siempre cuando estamos juntos.

- ¿Quién compone los temas?

La mayor parte nace de la maquinita de hacer temas de Crazy Mama, que es Juampe. Empiezan siendo melodías o riffs en una guitarra acústica y después con el aporte de toda la banda toman la forma definitiva. En la primera etapa de creación acústica influye mucho Juanchi que se entiende muy bien con Juampe para componer.

- ¿Cuál fue el mejor show hasta ahora? ¿Por qué?

Los shows en lugares como City Bar siempre son los más emotivos, es un lugar muy cómodo y hay muy buena onda. Hay mucha energía en esas fechas, creemos que fueron las mejores.

-¿Cómo se siente haber llegado a lugares grosos, como El Marquee o Mitos..?

Es algo que vivimos con mucha alegría, uno siempre vio bandas desde abajo soñando con algún día llegar a estar ahí arriba y bueno nos esforzamos para poder lograrlo y llegamos. Igual somos conscientes que nos falta pasar por muchos otros lugares y aprender de cada fecha, sea en el Marquee, en Mitos o en cualquier plaza.

Ellos son Mumi (batería y voz), John Paul (voces y guitarra), Paz (bajo y voz), Santo (trompeta). Los Alai se autodefinen entre risas como “una banda de chicos ñoños”. Las chicas llevan, literalmente, la voz del grupo. Dice John que son “dos máquinas de hablar”. Santi, en cambio, observa la escena, pero según Mumi: “Si no tiene una trompeta, no emite sonido.” Cuentan que es inevitable la pregunta de la edad… “Se ve que tenemos el cutis muy bien… nos tendrían que empezar a preguntar qué cremas usamos”. Dejan en claro que no son tan chicos como muchos creen… pero también, que el divertirse con lo que uno hace, tiene muy poco que ver con la edad.

- ¿Pueden definir el estilo de Alai?

Paz: Estilo… indefinido.

Mumi: Estilo amplio espectro. Estilo power todo.

John: Estilo Pop pesado

Mumi: Punk ñoño… no se, ¿existe alguna definición más? Cuando escuchen el disco, van a ver.

-¿Cómo surge la idea de armar la banda?

Mumi: Con John nos conocimos en Mr. Internet, en un chat temático punky. Él tenía una banda, y yo otra, que se llamaba Jai Alai. De ahí nos robamos el nombre. John terminó tocando en Jai Alai. Así fue que nos conocimos los dos. Después la banda se desarmó, pero nosotros empezamos a componer juntos. Un día, en una clase de fotografía vi un dibujo de Cami, una compañera. En el dibujo había una chica tocando un instrumento no identificado. Yo le pregunté quién era, y me dijo que era su hermana. Le pregunté qué tocaba, y me dijo “la guitarra”. Error. Era un bajo, gracias a dios, porque era lo que necesitábamos. Así fue que cayó Paz.

Paz: Menos mal, no?

Mumi: Si… sino te decíamos “¿No querés tocar el bajo en vez de la guitarra?”

Paz: (Risas) Así funciona, igual…

Mumi: Bueno, y Santi apareció el año pasado, cuando fuimos sexteto. Se incorporaron él y el hermano, que toca el trombón, y un chico más que tocaba el teclado. Hubo una oleada de gente que aterrizó en la banda, y después del idilio, terminamos siendo 4.

-¿Qué música escuchan? ¿Tienen algún referente groso?

Paz: De todo… empezamos escuchando lo mismo y crecimos en diferentes rumbos.

Mumi: Digamos uno cada uno, porque sino nos vamos a agarrar de los pelos… de acá Sumo, y de afuera Los Beatles.

John: No quiero decir lo mismo, pero… Lennon y Paul McCartney (risas)

Paz: De acá Fun People, y de afuera una banda que se llama The Moldy Peaches… no son un referente ni a palos, pero fue la única banda que escuché un tema y me enamoré.

Mumi: Si, y se decidió a hacerles de prensa, porque habla todo el día de ellos.

Santi: Bandas de acá… ninguna. Y de afuera David Grohl, de Foo Fighters.

- Esas influencias ¿las vuelcan en sus temas o nada que ver?

Mumi: Siempre se busca hacer algo nuevo, pero también siempre se retoma, sino… ¿Desde dónde vas a construir?

- ¿A qué público apuntan?

Paz: Y… mi mamá, mis primos…los primos de ella…

Mumi: No, mis primos son chiquitos, no los dejan entrar a ningún lado.

Paz: En realidad viene a vernos gente de nuestra edad, o más grande también. No vienen más pendejos… no pueden entrar nunca, aparte.

Mumi: Nuestro público es muy diverso…

Paz: No somos una banda mochila. Porque no se comprarían todos la misma mochila de Alai. Tendría que haber muchos diseños: rosa, con bolsillos, la cartera, la negra, la escocesa, la que está de moda, la que no…

John: Igual eso no lo decidís vos…

Mumi: No es que lo decida, es lo que me parece… En algún otro momento, por ahí… Pero ahora no somos una banda mochila ni a palos.

Su primer trabajo “En la bruma”, vio la luz a principios de este año, y ahora se encuentran a punto de empezar la gira promocional. El arte de tapa y fotografía estuvo a cargo de Mumi, quien se reconoce “enfermita del diseño”, y cuenta:

Mumi: Es nuestro primer disco, tiene 13 temas, lo sacamos independientes, sin ayuda. Lo produjimos nosotros, no nos costó nada.

John: ¿No nos costó nada?

Mumi: De dinero, nos costó un montón de tiempo. Grabamos casi todo en la casa de John, que es donde tenemos la sala de ensayo. Es como el “centro de operaciones”. Él lo mezcló, lo masterizamos también ahí y nada… es obra absoluta y completamente propia e independiente. Lo sacamos por la UMI, que es una masa, presta mucha ayuda. Y ahí está…

Paz: Esperando ser reconocido, claro…

- ¿Qué les divierte más, el vivo o el estudio?

Mumi: Las dos cosas.

John: Ahora no nos queda otra que el estudio, porque en cuanto el vivo… vamos medio muertos.

Paz: A mi me divierte más el vivo, igual. La presión del estudio me parece más jodida.

Mumi: Debería ser al revés…

Paz: No, porque en el estudio queda plasmado, por más que se pueda tocar mil veces, en el vivo la energía es otra, y estuvo bueno, o estuvo malo, pero después se termina.

¿Cómo es Alai en vivo?

Paz: Depende… nuestro under en cuanto a los “antros” es un poco raro… generalmente tocamos en campeonatos de skate, en boliches o fiestas que organizan amigos, cumpleaños… animamos eventos (risas)

Mumi: Vamos a donde nos inviten.

Paz: Igual depende, podemos tocar en un lugar re rockero, o también arriba de un camión como el año pasado en el Freestyle… Una productora independiente armó una muestra de deportes extremos, y nos invitó. Había motos voladoras, skates, demostraciones de bike…y nosotros tocando, con una onda muy reggae.

- ¿Cuál fue el show que más les gustó?

Mumi: La Batuta (Chile) y Metropark. El de Kimia este año también estuvo bueno. Nosotros estuvimos bien ahí.

Paz: Lo que tuvo el de La Batuta es que sonaba bien. igual a mí el show que más me gustó fue ese del Sótano. ¿Se acuerdan? ¡Qué bodrio! Nadie nos daba bola… la gente hablaba y no nos escuchaban… Una mierda! Pero igual nos divertimos…

John: El Bauen también estuvo bueno.

Paz: Lo bueno es que había poca gente. 100 personas… y no nos conocía nadie.

Mumi: Todos estaban bailando.

Paz: Era la primera vez que los que estaban adelante no eran nuestros amigos, y la estábamos pasando bien.

- ¿Quién compone los temas?

Mumi: El señor (John) y mua.

John: Ella (Mumi) y yo.

Mumi: Ya lo respondí, idiota! Llegaste tarde

John: Ah…

- ¿Bueno, y cómo se da el “proceso creativo”?

John: Normalmente estamos jodiendo con la guitarra… empezamos a cantar un tema nuestro, o de otros y empezamos a derivar, y termina saliendo algo.

Mumi: Hay algunas letras que son previas a la música, pero muy pocas. Y prometen ser cada vez menos. Ya directamente no escribo fuera de la música. Digo, compongo todo al mismo tiempo. Igual en este disco hay algunas letras que son previas: “Sin voz”, “Declaración”, “Imagen”…

Paz: Hay algunas más elaboradas…

Mumi: La de “El Aleph” es elaborada… y “Salsa”, que es un chiste. Y la del grillo, que es un lime total y absoluto.

Paz: Elaboradas puede ser, pero no pretensiosas…

Mumi: Ninguna es pretensiosa porque odio la pretensión… ¡Esa palabra apesta!

- ¿Esperan salir del under al mercado masivo?

Paz: No hubo buenas propuestas. Y, según lo que nos dijeron, a este nivel de banda, por más que estuvieran, serían malísimas. La manera de laburar es seguir en el under hasta que la propuesta sea buena, que no suele pasar.

Mumi: El problema es que está todo muy monopolizado acá. Mal. De modo que al público más masivo es difícil llegar, porque los medios masivos están guardados para bandas que tienen sello. Lo mismo pasa con los pocos lugares que hay para tocar.

Paz: Y sino hay que poner mucha plata…

Mumi: …que una banda no tiene, y nosotros no tenemos, para todos aquellos que piensen que sí.

Paz: Para mí el camino es fijar metas de banda, y si hacés las cosas bien, y seguís creciendo… si lo que hacés está bueno, en algún momento va a pasar. Yo creo que funciona así. En algún momento la pifiás, o en algún momento se te van las ganas y no pasa. Punto. Pero no es el único camino firmar con una discográfica. Para mí el camino es al revés.

- En definitiva, hacer lo que te gusta…

Paz: …en algún momento tiene que pasar. Si hacés las cosas bien, y te fijás metas copadas, te divertís, de última no as a llegar al público masivo pero la vas a pasar bien igual. Sin embargo, creo que si lo que hacés está bueno… vas a llegar.

Mumi: Y si perdurás mucho tiempo la gente se va sumando de a poquito.

Paz: Claro, y cuando ya se suma una gran cantidad de gente, ahí viene la propuesta interesante.

Mumi: No sabemos, igualmente… son especulaciones…

Paz: No, yo lo pienso como una manera de trabajar en cualquier cosa que hagas. Más en esto. Si no la pegás, de última no te sentís vacío en ningún momento. Si estás buscando pegarla, probablemente no se dé, y además te vas a frustrar después, porque se termina.

Mumi: Es así, o te morís de hambre, o te morís de angustia.

- Ahora se van de gira a Chile… Ustedes ya estuvieron allá…

Mumi: Estuvimos el año pasado tocando y si, nos fue muy bien.

Paz: Fue una gira de dos semanas, y tocamos cuatro veces… la misma cantidad que ahora, solo que esta vuelta vamos la mitad de tiempo. Eso va a estar bueno.

Mumi: Vamos a morir. El día de vuelta alguien me carga los platillos, se los juro que no voy a poder.

Paz: Mientras mejor va funcionando yo creo que te reducen el tiempo y te ponen más cantidad de shows. Los grosos se van 3 días y tocan 8 veces… tendría que ser al revés, ¿No?

- En Chile son muy conocidos… ¿A qué se debe el recibimiento?

Paz: En proporción al tiempo en el que estuvimos allá en Chile, creo que somos más conocidos que acá. Yo creo que nuestro recibimiento allá tiene que ver con que somos una banda que viene de Argentina, y Argentina siempre le pasó la música.

Mumi: También porque es más chiquito. Nos dieron mucha bola los medios grandes.

Paz: Y estando en un canal de televisión que ve todo Santiago, indefectiblemente te das a conocer. Acá pasa con algunas bandas, que las agarra un sello y las mete en los canales de música y las FMs quemando cabezas, y venden discos durante un año por lo menos, hagan la música que hagan.

¿Y la presentación acá en Argentina?

Mumi: Ibamos a presentarlo en el Cubo, pero se complicó porque Capital no para de complicarse… no se si sabés que los shows en vez de hacerse, se suspenden… En los teatros pueden tocar bandas. Y en los boliches, no se puede decir que tocás.

Paz: Buenos Aires, Argentina 2006. Año cero después de Cromagnon. Así que… Fecha Sorpresa. Entren a la web: www.alaiweb.com.ar

Mumi: Vengan el 17! Vamos a tocar mucho muy fuerte, porque no tocamos hace mucho y estamos mucho muy enojados. No se si se dan cuenta lo enojada que estoy yo. (Risas)

Paz: La presentación del disco la vamos a hacer, cuando volvamos. Si está todo bien con el Cubo, la hacemos ahí.

Mumi: Nosotros queremos hacerla en el Cubo porque es una masa, la gente es muy copada y eso es muy valioso, porque la gente copada escasea. Aparte el lugar es lindo, y tiene toda la facilidad para laburar bien. Ahora tenemos la cabeza puesta en tomarnos el micro a Chile, pero cuando volvamos, la idea es arremeter de nuevo con todo.

Una fiesta. Así se vivió la presentación de Cielo Razzo, desde antes de empezar. El Teatro, a pleno desde temprano. La previa estuvo a cargo de El Vagón, la banda santafesina de rock & blues que ya había acompañado a los rosarinos otras veces, y ésta vuelta promocionó su disco “Instinto Crudo”, además de los temas de sus dos trabajos anteriores, junto con algún clásico de Pappo’s Blues.

En el lugar se respiraba buena onda. El público, expectante. Gente de Buenos Aires, de Rosario y de varios puntos de Santa Fe; fanáticos de siempre, mezclados con un público nuevo, en su mayoría adolescente, son parte de la convocatoria cada vez más masiva de Cielo Razzo. Faltaban los trapos, parte del estricto control en la puerta, pero no la pasión vociferada: “Que toque Cielo y todo el año es carnaval…”. Apenas se cerró el telón, todos sabían que lo mejor estaba por venir.

Poco más de las 9 y empezó el show. “Solo escucho tu risa, que agoniza…” Así salió al escenario Pablo “Polilla” Pino, arrancando en una aparente calma que duró muy poco, para estallar con los primeros acordes de “Puta”. Un acople en los micrófonos obligó a parar unos minutos, justo antes de arrancar el tercer tema. “Cosas que pasan…”, dijo Polilla, y una vez solucionado el desperfecto, retomaron con “Carne 2″, desatando la locura de la gente.

Los rosarinos, que vienen pisando fuerte en Buenos Aires, después de hacer un Obras en mayo de este año, volvieron con idea de un show un poco más íntimo. Diego “Pájaro” Almirón en guitarra, Cristián “Narvy” Narváez en bajo, Fernando Aimé en la segunda guitarra, Javier Robledo en batería, Juampi Bruno a cargo de la percusión y Marcelo Vizarri en teclados, se suman a la voz de Pablo Pino, quien demuestra mucha presencia en el escenario y, aunque levemente introvertido en la interacción con el público, es pura energía desplegada en cada uno de sus temas.

Durante dos horas, la banda sumergió al público razzero en un vertiginoso recorrido a través de sus tres discos, con temas como “Arde”, “Qué se yo”, “Alma en tregua”, “Vieja caña”, “Mi refugio”, “Demás”, “El silencio del ave” y “La cruz”…. Bajando un poco las revoluciones con “Esa brisa” o la balada “Por llegar”, o bien arriba cuando sonó “Quién baja la pala” o “Perseguido”. Polilla anunció que en este show no iba a haber armónica… “porque toco muy mal”… no obstante (era de esperarse) sacó a relucirla para “Buscando más”. No faltó el clásico “Luna”, tampoco “Miradas”, su más reciente corte de difusión y hasta versionaron “El genio del dub”, de Los Fabulosos Cadillacs.

También hubo momento para la emoción. Con “Estrella, vueltas” y “La Roca”, dejaron en claro que el recuerdo de Pablo “Largo” Caruso (baterista de la banda, fallecido en un accidente de autos el 13 de marzo de 2003), sigue presente a lo largo del tiempo. Bastaba sólo con ver la imagen de Juampi levantando sus manos mientras entonaban “El cielo te abrió sus brazos antes de tiempo…”, para darse cuenta que aunque no se haga mención explícita, la impronta de Largo sigue marcada a fuego en cada una de sus presentaciones.

La banda pidió disculpas por el show del viernes, que quedó suspendido por motivos ajenos (un apagón que afectó a una gran parte de la Capital Federal), y quedó reprogramado para el domingo. También

anunciaron la salida de su cuarto trabajo discográfico, un CD/DVD grabado en vivo, denominado “Audiografía”.

“Ahora nos vamos a ir, y ustedes nos van a aplaudir para que volvamos… y vamos a seguir tocando hasta que dejen de aplaudir”, dijo Polilla. Y así fue. Volvieron para el bis con “Charlone” y “Luminoso”, mientras esas manos se agitaban como olas, acompañando la voz que arengaba: “La Marea es alta, y resalta en barcos que encallan…”. Éxtasis total, que terminó con “Sin salida”, primer corte del disco “Buenas”.

Cielo Razzo es una banda repleta de matices en cuanto a lo musical, que con el tiempo fue levantando vuelo, despegándose cada vez más de sus “parecidos a…” y plantándose con nombre propio dentro de la escena del rock nacional, siguiendo la fórmula que alguna vez dejaron en claro, y parece darles resultado: poco circo y mucho rock.

Su figura no pasa desapercibida pese a su pequeña contextura cuando entra al lugar. Se disculpa por la demora en impecable español. “Es que cuando me pongo nerviosa me sale el acento”, explica. Pero su sonrisa no denota nervios, ni mucho menos. En seguida se predispone a la charla. Habla sin prisa, pero sin pausa; se nota, tiene mucho para decir. Demasiado por contar: historia, proyectos, presente. Leonor Marchesi, de regreso.

- Siendo cantante lírica… ¿Por qué fue que decidiste volcarte hacia el rock?

Leonor Marchesi: Yo empecé a tocar guitarra de muy pequeña, a estudiar armonía y composición, y las primeras canciones que compuse estaban dentro del Rock & Blues. Tenía 15 ó 16 años, y cuando terminé el secundario estudié pedagogía, y después decidí estudiar música en el conservatorio. Y también canto, mientras seguía componiendo. Después conocí a los integrantes de Púrpura y me dediqué al rock, pero encontré que las técnicas eran perfectamente compatibles.

- ¿Tuviste alguna influencia particular en cuanto a lo musical?

L.M.: Bueno, a mi me gustaban muchas bandas de rock sinfónico: Focus, Pink Floyd, Génesis, Pretenders, Janis Joplin, Joni Mitchell. De las voces femeninas, me fascina Sarah Vaughan. También cantantes líricas como Lily Pons, María Callas, Montserrat Caballé. Mercedes Sosa me parece la gran voz argentina. Escucho todo tipo de música, soy muy amplia en el criterio musical. Y a la hora de componer también, me gusta la música que me gusta escuchar.

- ¿Cuáles son tus motivaciones a la hora de componer? ¿De dónde nacen tus letras?

L.M.: Surgen de pronto, no me pongo a pensar demasiado… A la hora de escribir siempre me preocupo mucho por lo social, por cómo están los demás. A los que he conocido y a los que no conozco personalmente, pero me entero a través de los periódicos. Sobre todo haciendo hincapié en las juventudes del mundo, que padecen, o padecemos prácticamente los mismos conflictos existenciales, de supervivencia, de deseos, de encuentros, desencuentros. Abarco el amor, entrelazo historias. Soy bastante comprometida con lo que intento decir, y a través de eso trato de enviar un mensaje constructivo. Nosotros debemos tener la ilusión de que se pueden cambiar las cosas. Si empezamos a cambiar nosotros primero, desde dentro, para que se cambie el entorno al cual pertenecemos.

- Eso que me decís suena muy impregnado de la mentalidad setentista, muy plagado de idealismo…

L.M.: En los ‘70 era muy pequeña, recién fue en los ‘80 que empezaba a subirme a los escenarios, cuando empezaba La Torre, Soda Stereo, Rata Blanca… Charly García ya había grabado varios discos. Era la época de Serú Girán, anteriormente Sui (Generis)… o La Máquina (de hacer pájaros)… Pero lo que yo viví de muy niña era escuchar la música que te contaba, los amigos que tenía, las reuniones en las casas… Éramos chicos de 12, 13 años que se juntaban a hablar de Los Beatles, de la filosofía, de la vida, de cómo hacer para intentar mejorar el mundo… y esa visión siempre permanece, porque si no deseas cambiar algo, o romper alguna barrera ya estandarizada, es como que la vida no tiene ya mucho para decir. Por más que cumplas años, la edad no tiene que ver con ese deseo de comenzar a cambiar uno para mejorar el entorno.

- ¿Cómo se siente haber sido un poco parte de la “gran familia del rock” de los 80’s?

L.M.: ¿Cómo yo viví ese período? Con mucha energía creativa. Los ’80’s fueron la etapa de rock romántico de Argentina. Veníamos de una dictadura, teníamos miedo hasta de hablar libremente por la calle. Por eso, cuando se presenta la democracia, estábamos todos muy esplendorosos en esa vertiente.

Contame sobre tus comienzos en Púrpura.

L.M.: Mira, primero Púrpura se llamaba Marchesi… después decidimos cambiarlo por un nombre que integrase a todos. Yo venía tocando la guitarra, desde muy pequeña, en los circuitos de pubs de San Telmo. Me contacté con Enrique García Moreno, hermano de Charly, quien fuera nuestro manager por muchos años, una persona que yo he querido y aun tengo en mi recuerdo. A través de él la idea era formar una banda de rock. Así fue que un día llegó a casa Marcelo Leonardi, el batería… baterista, perdón (ríe)… es que en España se dice así. Yo le dije “Tengo unas canciones que te quiero mostrar”. Me senté y canté y le gustaron, y a través de él se presentó el bajista, Fernando Ortega y luego Osvaldo Greco en guitarra.

¿Cómo fue la experiencia del B.A. Rock?

L.M.: Uhh…eso, fue impresionante. De tocar todos los sábados en la esquina del Bar Latino, de pronto tuvimos que ir al BA Rock del ‘82. Tocamos antes que Riff, y la verdad que fue una experiencia estupenda. Teníamos mucho miedo, porque todo el mundo los esperaba a ellos, y a nosotros no nos conocía nadie a nivel masivo. Estábamos muy nerviosos, pero todo salió estupendamente bien, porque al escuchar los primeros compases del “Blues de Mediodía”, que era aquella canción que yo había escrito a los quince años y después se grabó en el disco, los chavales y todo el mundo que andaba por ahí, trepaban al escenario a ver de qué se trataba eso… el público se entusiasmó mucho, nos aplaudieron y fuimos Revelación BA Rock ‘82. Grabamos con ese éxito el primer disco de Púrpura, y después el segundo.

- Eran tiempos bastante difíciles… ¿Cómo se vivió esa etapa?

L.M.: A partir de los ‘80 empezó a forjarse la democracia, pero vino la guerra de Malvinas que también fue algo terrorífico. Nosotros como músicos y mensajeros salíamos a hacer nuestra propia batalla interior frente a los escenarios. Música es comunicación. Cuando no se podían cantar determinadas letras, las disfrazábamos, pero el mensaje llegaba al público. Había como una unión ante el desastre y la injusticia muy fuerte entre nosotros. Y el rock es protesta, imaginate que no podría haber salido a decir determinadas cosas en tono lírico…

Después encaraste otro proyecto… “Noche de Brujas” , otra vez junto a Marcelo Leonardi.

L.M.: Si, luego de la irrupción de Púrpura decidimos separarnos de común acuerdo, fue una discrepancia a nivel sonora. Yo quería seguir haciendo rock y algunos integrantes estaban dudosos al respecto. También estábamos muy estresados porque Púrpura fue un grupo que duró 3 años aproximadamente, pero trabajamos mucho; recorrimos prácticamente el país y todos los pubs y sitios de Buenos Aires y Capital. Y yo creo que un poco fue el stress que provocó eso, el hecho de asentarnos, parar y separarnos a ver qué era lo que deseaba hacer cada uno posteriormente.

Luego armé una banda que se llamó Noche de Brujas con Marcelo Leonardi en batería y Gorosito en guitarra. Y un bajista excepcional, presentado por Gorosito. Tuvimos mucho ensayo, y una temática esotérica, pop, dura… una cosa muy oscura, moderna para la época pero muy fuerte.

- ¿Por qué se disuelve?

L.M.: Y eso quedó truncado, de alguna manera por el destino. Porque me llamaron de Madrid para que integrase otro grupo que se llamaba Santa.

- Entonces ése fue el motivo de tu viaje… contame cómo fue tu arribo y tu posterior integración a Santa.

L.M.: Yo llegué a Madrid en jeans y zapatillas, con mi guitarrita y un sombrero que era medio tanguero, tipo Gardel… Santa estaba integrado por Jerónimo Ramiro (guitarra), Miguel Angel Collado (teclados) Bernardo (batería) y Diego Jiménez (bajo). Ellos me fueron a buscar al aeropuerto, y me llevaron inmediatamente a comer algo con el manager, y conversando me encontré con músicos maravillosos, con mucha energía. Fuimos al local de ensayo, y a partir de allí preparamos todo el material para un concierto que se haría ante 60 mil personas… Ahí empecé.

- Allá tuviste un debut multitudinario: el Festival PSOE…

L.M.: Tocamos en muchos festivales organizados por diversas corrientes políticas. Uno fue el PSOE, en Barcelona. Otra vez tocamos en la Casa de Campo, que es como un parque inmenso, con lago y escenario al aire libre, muy lindo. Eran festivales inmensos, siempre compartiendo cartel con otros grupos, como era en aquel momento Barón Rojo o Haloween o Gus. Habían venido grupos de afuera y locales.

Con respecto a eso… Hoy, que todo se mide en términos de ráting y convocatoria, ¿pensás que la masividad es parámetro para determinar el éxito de un artista o grupo?

L.M.: Nooo… no es parámetro. En realidad te acercás al público masivamente porque hay determinadas personas que pertenecen al negocio que ayudan a que el artista se acerque, a través de los medios de promoción y fundamentalmente de su discográfica. Nosotros trabajamos con compañía independiente y también con multinacional, y evidentemente eso ayudaba al acercamiento. Hay muchas bandas que no son muy reconocidas porque no tienen la posibilidad todavía de tener ese acercamiento masivo, pero que son muy talentosos. Defiendo a los grupos que están ensayando. Los que están a punto de salir y trabajan duro. La respuesta siempre la va a tener el público. Si eres auténtica, si estás preparada musical, humanamente, y en cuanto al sonido para salir a escenario. Son un montón de componentes que hacen que eso sea una descarga directa al público, que lo recibe y lo acepta en la medida de la autenticidad, y el valor del trabajo. El valor es el que pone uno, y el que le da el público, que recibe la respuesta.

- ¿Por qué decidiste, finalmente, volcarte a tu carrera solista?

L.M.: Cuando Santa se disuelve, yo me alejo de ese proyecto. Habíamos trabajado mucho durante un tiempo largo, en una tesitura musical heavy / hard rock, mucho más fuerte, y yo quería empezar a hacer algo más personal, más íntimo. Quería algo más propio, y por eso fue el desenlace.

- ¿Qué fue lo que hoy motiva tu vuelta?

L.M.: Es la presentación de un compi, que con la reunión de temas de “Encrucijada” y “Rosas de Metal”, y también apoyar la reedición de Púrpura, en manos de Universal. Estoy aquí un poco en plan promocional.

El concierto del 7 de septiembre en ND Ateneo es provocado fundamentalmente por la producción que está haciendo Alejandro Peruffo, como joven empresario que ha traído a la artista, coproducido con gente de España, de la compañía a la cual pertenezco allí. Es por eso que estoy aquí.

- Vos estuviste presente en lo que fue la génesis del rock nacional… ¿Qué diferencias notás hoy, casi 3 décadas después?

L.M.: Lo que te puedo decir es que en Buenos Aires se dieron distintas etapas. Siempre estuve en contacto con músicos de aquí, y me daba cuenta que los ’80s eran una época súper creativa, muy abierta, solidaria, y realmente muy bella, muy enérgica y fuerte para haberla vivido, muy enriquecedora a nivel personal. Porque fueron los comienzos, y los comienzos nunca se olvidan. Y luego han surgido grupos maravillosos, no estando yo aquí. Grupos como Rata Blanca, Divididos, Bersuit que han tocado también en España. Attaque 77, también me parece una muy buena banda. Andrés Calamaro, Fito Páez, Charly García fundamentalmente, que en sus distintas etapas siempre es digno de admirar y todavía tiene mucho para contarnos… Es que aquí hay mucho talento, mucha creatividad, el músico argentino es muy respetado en España. De los conciertos y las giras que han hecho los grandes grupos han tenido una respuesta increíble en la prensa.

- De un tiempo a esta parte se dio una especie de resurgimiento del rock de acá, como una vuelta a lo nuestro… Hay una oleada de bandas nuevas, otras que se reestructuraron… Tuviste oportunidad de escuchar algo de lo que está pasando?

L.M.: Si, escuche algo de El Otro Yo, que me gusta bastante… Después hay una serie de nombres que me han apuntado para que busque su discografía. Lo que noto es que en los medios, excepto algunas cadenas de radio, no me parece que estén ayudando a que las buenas bandas se den a conocer más masivamente. Creo que pasan lo sustancial. Hay una banda que tuve oportunidad de escuchar en directo, que es Tristemente Célebres, que me encantó. Y para los grupos y bandas que tal vez no lo conozcan, Chugo es un guitarrista que vive en Olavarría. He tenido oportunidad de escuchar su material y es realmente impresionante. Y bueno, tengo que seguir entrando a los sitios para escuchar más.

- ¿Sentís que hoy es más fácil llegar darse a conocer, meterse en el mercado?

L.M.: El negocio está muy manejado, y con intereses muy creados. Entonces, la parte creativa me parece que está desplazada a un lugar más oscuro, que hay que volver a iluminar. Yo creo que eso depende de los que controlan el negocio y el mercado discográfico, multinacionales, y el gran monopolio que observo en este momento, que inhibe el talento e impide que esa luz se vuelva a encender, porque hay mucha creatividad, pero está todo demasiado controlado, y eso no es la libertad para mí.

- Puede que resulte paradójico, pero “lo nuestro” hoy está determinado, de algún modo, desde “afuera”…

L.M.: Se está manejando la opinión pública, y esta debe ser libre. Si hay un bombardeo a nivel de prensa, de radio, eso no es lo que auténticamente ocurre. Yo creo en el submundo. Allí ocurre todo. El mundo que nos muestran es uno, pero tú mismo tienes que descubrir cuál es tu mundo. Lo que te venden no siempre es lo mejor, o lo único. Hay otras cosas que no están trascendiendo, pero existen y son muy valiosas para mí.

- Y con respecto al público… seguramente hoy te encontrás con algunos seguidores de siempre, pero también un público en parte nuevo…

L.M.: ¡Como vos, por ejemplo!

- Exactamente… (risas)… Muchas veces esto representa un desafío. ¿Cómo te preparás para encararlo?

L.M.: Mi vida está marcada por desafíos. Porque cuando fui a España, era para formar parte de un grupo heavy, fuerte y yo ahí super delgadita, pequeña, siempre batallando, y al final salió todo fenomenal. Sin desafíos no existo, es como un lei motiv para mí, una norma de vida.

Me pasó, por ejemplo, que estuve en Radio Avellaneda el otro día, y había mucha gente que me recordaba de esa época, pero también recibí 25 llamadas telefónicas de chicos y chicas que no me conocían, y preguntaban cómo cantaba, y decían querer conocerme. Noté como una expectativa. O sea, la música es universal, siempre lo digo. No tiene edad, porque el rock es universal. Es la energía que se transmite en el momento que también es atemporal.

Yo veo que hay como una especie de expectación de la gente que no me conoce y me va conocer… y los que me conocen que seguramente vendrán. Por eso yo digo, el 7 de septiembre va a ser una noche de reencuentros… y descubrimientos.

- ¿Cómo surge el contacto con Nexus para el Show del 7 de septiembre en ND Ateneo?

L.M.: Nexus es una banda de rock sinfónico progresivo muy fuerte, contundente. Tocaron con Focus, estuvieron a punto de telonear a Emerson. Hicieron gira por EEUU y son muy reconocidos en los países del Norte de Europa, donde hay una corriente muy fuerte dentro del rock sinfónico. Conozco a los integrantes de Nexus hace 20 años, somos amigos. Cuando yo empecé a cantar, siempre tocaba Nexus después de nosotros. Luego, yo me marché y perdí contacto. Pero ahora nos hemos vuelto a encontrar.

Primero tocan ellos. Nexus es Carlos Lucena en guitarra, Pablo Maturana en batería, Andrés Dulcet en bajo, Rossana Truccolo en teclados, voces y arreglos. Y luego vengo yo con algunos músicos invitados. Ya está confirmado Marcelo Montesano, gran amigo mío, y más gente a confirmar en estos días.

Así que va a ser un concierto muy potente, muy sabroso. En cuanto a lo musical, vuelvo a los escenarios con una vertiente gótica, un rock dark. Voy a incluir un fragmento de Puccini, de Cantaluppi, vuelvo a las temáticas líricas aprendidas (y no olvidadas), y luego arrancamos con rock, blues, lo más enérgico en cuanto al sonido y al mensaje.

- Por último, contame un poco de tus otros proyectos… Andás en otras cosas que tienen que ver con la música, pero no con los escenarios…

L.M.: Bueno, cuando me aparté un poco de los escenarios, en el año 2001 comencé a estudiar musicoterapia. Comencé a dar clases de canto, estoy escribiendo también un libro de técnica vocal, apoyando la inquietud de los chicos que quieren cantar, y bueno, todo el que quiera cantar es potable la idea. La única traba que podemos tener está en la mente, pero la voz hay que desarrollarla para que llegue al otro. Contando algunas anécdotas personales que sirvan de ayuda, en carácter terapéutico. Aparte sigo componiendo, estoy preparando canciones para un nuevo disco.

Lo mío siempre se encuentra dentro de lo musical, ya que la música ha sido mi vida desde que nací, tanto dentro como fuera del escenario.

El Flaco Spinetta es un artista que combina en un delicado equilibrio la gran trayectoria que lo respalda con la capacidad inagotable de reinventarse a sí mismo. Y eso queda claramente evidenciado en cada uno de sus shows, dotados de su inconfundible sello.

Eran poco más de las 10 cuando salió al escenario. Con los primeros acordes de “Atado a tu frontera”, Spinetta, junto a Claudio Cardone en teclados, Sergio Verdinelli en batería y Nerina Nicotra en bajo, dio vida a un escenario que no contaba con más decorado que los instrumentos. Los juegos de luces proyectados en la gran pantalla blanca aportaban un toque de psicodelia interesante, dando el marco perfecto para la música del Flaco, que transporta. Conmueve. Es poesía hecha rock.

Entre los temas nuevos, sonaron Canción de noche, Dale luz al instante, La Flor de Santo Tomé, Qué hermosa estás y No habrá un destino incierto. También contó que Proserpina habla de la “Diosa que se encarga de que las cosas nos vayan bien…”, y que Cabecita Calesita está dedicado “a un personaje, sin ser despectivo, muy común en la Argentina de hoy… es ese mismo que después dice “uyy…se me escapó la bengala…”, ante el aplauso generalizado.

Sus comentarios resultan más un condimento del show que una verdadera explicación de sus letras. Le gusta jugar con la ambigüedad, y sus temas, indescifrables para algunos, son de una riqueza intelectual enorme para aquellos que sepan, o se animen a intentar “leer entre lineas”… o simplemente entregarse a la abstracción y disfrutar de las fuertes imágenes mentales que es capaz de transmitir con sus palabras.

Spinetta, en su merecido status de artista consagrado, conjuga la tranquilidad de saber que cuenta con el guiño cómplice de sus seguidores ante cualquier ocurrencia, con el desafío que implica un público nuevo, sorprendentemente joven pero que, no obstante se encuentra muy lejos de un fanatismo febril y adolescente.

Por el contrario, existe una especie de pacto implícito entre la gente, que le demuestra su admiración de manera respetuosa, y el artista, que complace al público dándole “algo” de lo que espera escuchar. Así, es que alternados con los nuevos, sonaron temas como El mar es de llanto, Las cosas tienen movimiento (de Fito Páez), Jardín de Gente y Sexo. Tal vez ahí radique la fórmula del éxito de sus recitales, tan caracterizados por esa sensación de intimidad en el ambiente que genera un microclima más que agradable.

No faltó el solo de teclado, ejecutado por “El Maestro” (según él mismo definió a Cardone), al que luego se sumó para tocar Tonta Luz, A Starosta El Idiota y No te busques ya en el umbral, en uno de los momentos cumbre del show. Tampoco los temas como Kamikaze o Seguir Viviendo sin tu Amor que, adaptados al el estilo propio de esta etapa, se convirtieron en un clásico de los últimos recitales, además de algunos incluidos en sus trabajos anteriores, Para los Árboles y Camalotus.

Spinetta, sin perder ese toque de distinción que lo caracteriza, se muestra más cerca de la gente. Y de su gente. Al presentar a su banda, no se olvidó de mencionar también a quienes están detrás de escena, como La Viejita, su plomo estrella.

Con “Aquas” anunció su retirada, tras casi dos horas de show. Todos sabían que no iba a ser así. Salió para el bis, casi obligado por un teatro lleno que lo aplaudía de pie y no daba indicios de moverse. Tocó Durazno Sangrando, y tuvo que salir dos veces más antes de despedirse definitivamente. La primera, anunció “El anillo del Capitán…Tito”, que al final resultó Laura Va, igualmente ovacionada por los más nostálgicos. Y por último, cerró -esta vez sí-, con Los Libros de la buena memoria.

Alguien me dijo alguna vez una frase que resulto algo así como una revelación. Cuando nos paramos frente a una obra de arte, el espíritu sale del cuerpo, toma algo de esa obra y retorna. Pero solo muy pocas veces ocurre, que ante una pintura, o la melodía de una canción, es la obra quien toma por asalto nuestro espíritu… y lo devuelve cuando quiere. Ahí es cuando nos encontramos en presencia del verdadero arte.

Tal vez sea eso, justamente lo que genera la música de Spinetta. Y lo que explica que un recital suyo resulte, más que dos horas de música en vivo, una experiencia sensorial sublime.

“Figurando como un rebelde por la actitud adolescente”… con los primeros acordes de “Voy por algo más”, Nunca Es Tarde abrió su recital en Speedking. La banda formada por Guillermo Bono (voz y guitarra), Sebastián Pérez (batería) y “Chelo” Moyano (bajo y coros) presentó su segundo trabajo, “Voy por algo más”, ante más de 200 personas.

La banda de Zona Norte convocó gente de Zárate, González Catán, Lanús, Adrogué, Temperley, La Plata y Escobar. Durante la hora y media que duró el show, los chicos alternaron los temas nuevos con algunos de “Nunca es tarde”, su primera producción independiente, ante la euforia y el pogo del público que los acompañaba con las letras.

Sin dudas, uno de los momentos cumbre del show fue la presencia de Abril Sosa (líder de Cuentos Borgeanos y ex Catupecu) en el escenario. Abril, productor de Nunca es tarde, se sumó a los chicos en dos oportunidades para tocar “Limado” y “Atravesando etapas”, también incluídos en su última placa.

Guille (conocido como “El Motta”) agradeció, en nombre de la banda, a la gente que los sigue, y a todos los que hicieron posible que éste disco saliera a la calle. Nunca es Tarde se despidió, pero promete ir por más.

Después del recital, más relajados, los chicos se acercaron a saludar a los conocidos y alguna gente del público que se quedó a esperarlos. Tras una breve sesión de fotos, Guille contaba:

- ¿Cómo se conocieron? ¿Cómo fue que decidieron formar la banda?

- Con Sebas veníamos tocando en otra banda, cuando en 1999 decidí armar un proyecto diferente y Sebas se sumo a lo que yo quería hacer. A Chelo lo conocíamos del colegio, también venia tocando en otra banda hasta que le propusimos unirnos.

- ¿Por qué “Nunca es Tarde”? ¿Cómo surge el nombre?

- En 1999 nos llamábamos Mejoralito, pero por problemas legales al querer registrar este nombre en 2003, tuvimos que cambiarlo. Ahí surge Nunca es Tarde, y la realidad es que era un nombre tentativo que había surgido previamente a Mejoralito pero que en definitiva no quedó en aquella ocasión.

- ¿Cómo definirían su estilo? ¿Tienen algún referente o influencia en especial?

- Somos de escuchar de todo. A los tres nos gustan cosas diferentes y a la vez coincidimos en muchas otras. Pero creo que el estilo que hacemos esta dentro del punk melódico. Nuestras principales influencias siempre fueron Green Day, Mxpx, Rancid, Nofx, Ramones, entre otras.

- ¿Qué significa este disco para la banda?

- Es nuestro segundo disco. Contamos con la producción de Abril Sosa y Agustín Rocino como técnico de grabación. Son gente que labura muy pro, nos sentimos más que cómodos en todos los sentidos y desde primer momento que fue donde empezamos a demear el material nuevo en el estudio de Cuentos Borgeanos, hasta que el disco salió del mastering. Fueron cinco meses de ensayar, seleccionar y pulir temas. El objetivo era mejorar en la composición y en lo musical.0

- ¿Pueden contar algo sobre los temas?

- Hay una actitud más definida respecto al disco anterior. Acá hay un espíritu muy positivo que habla de ir mas allá de lo que uno puede ver con los ojos. Desestructurar ciertas tendencias, rutinas y dejarse llevar por lo que nos pueda dar sentido al vivir sin importar lo que la sociedad piense y con un escudo permanente lleno de ideales.

¿Qué planes tienen después de la presentación del disco?

- Chelo planea seguir con la construcción de su casa en Tortuguitas… Sebas continuaría con sus aviones de madera balsa… (risas)

Muy bueno lo de Uds… Pero no me refería a esos planes justamente… ¿Qué pasa con la banda?

- Hablando en serio, vamos a estar presentando el disco sobre todo por el Gran Buenos Aires y Capital. También planeamos ir de gira a la Costa Atlántica en el verano 2007. A la vez, la idea es no estancarnos con la composición de nuevas canciones, así que en los ensayos dedicaremos un tiempo a componer y otro a tocar los temas para los shows. La idea es que no sean siempre los mismos.

Viernes, 22 P.M. Adentro, la gente esperaba sentada en el piso, en medio de un clima muy relajado. “En el oeste está el agite”, decía Julia, orgullosa de ser una de las que siguen a Nuca desde que arrancaron, allá por el 2000. Y sí, es sabido que el Oeste es cuna de muchos talentos de nuestro rock. Y esta noche le tocó a los chicos de Castelar mantener viva la leyenda.

Con un Niceto casi lleno, la banda presentó su nuevo disco, “Máquina de la pampa”, en un recorrido que duró casi una hora y media, y que también incluyó temas de “Paraway”, su trabajo anterior.

Pura energía. No cabe otra forma de describir el show. La gente estalló con los primeros scratches de “DJ Raffa” García, y no paró de saltar un minuto. Entre el público, Pablo Romero, de Árbol, arengaba: “¡Tocá fuerte, Ricky!”. Allá atrás, los uruguayos de Malacate, amigos de la banda, también estuvieron presentes para hacerles el aguante.

Matías “Chavez” Mendez, líder de Nuca, agradeció “…sin que suene demagógico, a la gente que sabe por todo lo que pasamos para llegar hasta acá… ahora que estamos creciendo… un poco”.

Vale la aclaración. Y es que, pese al perfil bajo, este disco parece marcar el despegue de la banda. La incorporación de la sección de vientos aportó, sin perder la esencia, un perfil un poco más amplio en cuanto a lo musical.

Con una selección de temas muy arriba, Nuca desplegó toda su potencia sobre el escenario. Los destacados: “Máquina de la Pampa”, “Que la música no pare” y “Vamos a bailar”, primer corte de “Paraway”, que volvió a sonar en el bis, desatando el delirio generalizado.

Después del debut en Niceto, prueba más que superada, el próximo paso de los chicos es la vuelta al Oeste. Despúes de casi un año de ausencia, que les demandó la grabación del disco, más algunas presentaciones en Uruguay y Brasil, vuelven a tocar en Castelar, una cuenta pendiente con su público.

La máquina sacudió Niceto. Y después de vivir a pleno un recital de Nuca, no quedan dudas… en el Oeste está el agite.